Y La Palabra Se Hizo canto, y la voz sentimiento y canción…
«Aquello fue lo que se dice un suceso inesperado. Un disco grabado en tres días, del que sus protagonistas habían perdido la pista, si no la esperanza, aparece por sorpresa y sin promoción alguna en las tiendas, y en el plazo de unos meses se convierte en un insospechado éxito de ventas. Y no solo eso, aquellas canciones flamencas, bulerías más o menos lentas o tangos, portadoras de una lírica tan popular como exquisita, se insertan rápidamente en la vida cotidiana para iluminar el tiempo nuevo que venía, ponerle versos al amor y música al paisaje.
Corría el año 1975, y el régimen franquista atravesaba sus últimos meses (el dictador fallecería ese mismo año). La exigencia de cambio cobraba múltiples formas y la música no estaba al margen. Y entonces aparecen Lole Montoya y Manuel Molina, los dos gitanos guapos y bien plantados, hijos de artistas y herederos de familias de fuste. Él, además, con la experiencia del grupo de rock sevillano Smash en la mochila. Llegan trayendo unas canciones llenas de frescura que, de forma involuntaria, vienen a colmar los amplios deseos de transformación: “El sol joven y fuerte/ ha vencido a la luna/ que se aleja impotente/ del campo de batalla” (Nuevo día).[…]
La guitarra de Manuel sonaba flamenquísima, pero distinta, con un llamativo uso de los silencios y de la síncopa, y una forma de ralentizar los tiempos que, vista desde el presente, sigue resultando avanzada. La voz de Lole era un portento de claridad y luz, con una fuerza en los altos que hacía saltar las agujas de las mesas de sonido, según cuenta el productor de sus discos, el sevillano Ricardo Pachón. Las letras de Juan Manuel Flores, de una estética naturalista muy cercana a un cierto hipismo aún en boga, gozaban además de una enorme plasticidad y fuerza evocadora. La fórmula no era premeditada, pero funcionó a la perfección».
Lole Montoya
Lole Montoya, la que se hizo popular en toda España siendo pareja de Manuel Molina, nació durante la primavera de 1954 en una trianera calle de Sevilla llamada Evangelista. Muy probablemente, ni su padre, Juan Montoya, bailaor, ni tampoco su madre, Antonia Rodríguez ‘La Negra’, cantaora y bailaora nacida en Orán (Argelia), se imaginaban entonces que con el paso de los años su pequeña Lole iba a llegar a ser precisamente eso: evangelista. Gracias en parte a que su familia, de raza calé, era “uno de los grupos más intensos y compactados del mundo del Flamenco”, Lole pudo tener el privilegio de curtirse desde muy pequeña en tablaos del prestigio de Los Gayos (en Sevilla) o Las Brujas (en Madrid). Lole también llegó, ya como adolescente, a compartir el mismo escenario con gente de la talla de la Perla de Triana o el Camarón de la Isla -a este último íntimo amigo de la que llegaría a ser la pareja Lole y Manuel, en 1994, le dedicarían una canción titulada “Arriba el Cielo”. Manuel Molina, ese prodigioso guitarrista y poeta con quien Lole -rompiendo con las tradiciones gitanas- contrajo matrimonio, había estado en Smash: un grupo de los 70 fundamental en lo que después se conocería como rock andaluz. Nunca hicieron un flamenco ortodoxo, por el contrario les acusaron de hacer un “flamenco equivocado”. Por otro lado tampoco han pertenecido a la nueva generación de “jóvenes flamencos”, “estos jóvenes -que en palabras de Manuel- están demasiado revolucionados, desfasados, locos perdidos”. El comienzo de la discografía de la pareja, que se produjo en 1975 con la edición de un disco titulado “Nuevo Día” (Movieplay), coincidió con un sorprendente éxito que les permitió verse favorecidos por el público desde el principio.
Éxito que continuaría durante los siguientes ocho años, con la sucesiva edición de sus trabajos: “Pasaje del Agua” (CBS),”Romero Verde” (CBS), “Al Alba con Alegría” (CBS) y “Casta” (CBS). Raimundo Amador (de Pata Negra), El “niño” Jero, Alvaro (de Dulce Venganza) y Manolo Marinelli (de Alameda) son sólo algunos nombres más de entre los muchos que figuraron como colaboradores durante esos años. Sin embargo, los cientos de colaboraciones, de aplausos, de galas y de discos de éxito vendidos no fueron suficientes para mantenerlos juntos y a finales de 1986, dos años después de la publicación de “Casta”, deciden separarse. En esta misma época, y por uno de esos extraños reveses que da la vida Lole pierde en poco tiempo casi todas sus posesiones. “Dentro de un año me iré con Cristo” le diría a Felipe Campuzano, ahogada en la comprensible crisis a la que se vio sometida. De visita en una casa de empeños la cantante -según cuenta- se encontró un libro negro, una Biblia, y en 1987, un año después de la separación y después de una larga búsqueda, ese mismo libro provocaría en su vida un brusco y radical cambio. “El día que me convertí (al cristianismo) -decía ella-, leía la Biblia mientras encontraba la confirmación a muchas cosas que antes sentía… Yo, como mujer, tengo que reconocer mis fracasos, mis errores; todo hombre y todo político, y todo príncipe tiene que reconocer sus errores… Quiso Dios que me viera sin todo lo que tenía para encontrarle a El”. En ese mismo año, ahora separada de Manuel, comienza a asistir a una pequeña iglesia evangélica en la calle Canal de Sevilla. Iglesia en la que permanecerá más o menos oculta a los ojos del gran público durante una temporada, durante la cual tan sólo apareció -para sorpresa de todos- en reuniones organizadas por las iglesias evangélicas o en entrevistas centradas casi exclusivamente en su última y decisiva experiencia.
“Todo gira en torno a sus pensamientos religiosos, y en cada una de sus respuestas siempre tiene pendiente a Dios”, escribía uno de sus entrevistadores. La prensa, sorprendentemente, recibió los cambios de Lole con un enorme respeto en comparación al menos con el tipo de reacción que los medios de comunicación suelen tener ante este tipo de conversiones. Y aunque no faltaron, claro está, los escépticos, tampoco le faltó a la cantante el carácter con el que tratarles: Lole -Sí (la mujer gitana) tuviera conocimientos espirituales, seguramente se sentiría realizada”. Periodista -¿Quiere decir culturales? Lole -Quiero decir lo que digo: espirituales. Sin ellos la cultura sirve de poco. A mi me interesa el conocimiento profundo, saber por qué y para qué has nacido. Dos años después, tras cinco años de aparente silencio, Lole Montoya vuelve a la escena del espectáculo, esta vez abrazando el más puro estilo árabe clásico. Y es que desde su infancia, por la influencia de su madre, había tenido mucho contacto con el mundo y la música árabe. Contacto que marcó su carrera profesional, de forma que -entre otras muchas cosas curiosas- llegó ser invitada por el rey Hassan a cantar en su palacio de Rabat. “¡Lole Montoya canta únicamente música árabe!” -exclamaba la prensa y también algún espectador que había acudido con la esperanza de oír nuevamente sus bulerías en el popular escenario del Cuartel del Conde Duque (en Madrid). “Cristo es el artista”, dijo ella ese mismo día, para después oír a alguien contestarle desde el público: “Canta por bulerías y nos vamos”. “Digamos que han sido unos años un poco especiales en los que me he dedicado a disfrutar de mi evolución personal”. Aunque no se descarta una posible vuelta con Manuel, la incertidumbre en cuanto a su futuro no le impide grabar una cinta de muy corto presupuesto titulada “Sigue Vivo” (Kroma, 1991) y enfocada más al nivel de la iglesia evangélica en España. Por fin, el 8 y el 9 de febrero de 1991, se produce un primer reencuentro artístico de Lole y Manuel, y esto, por todo lo alto en el teatro Lope de Vega de Sevilla. No era este, como tampoco lo serán los siguientes, un reencuentro defínitivo. Después de todo esto la pareja vuelve a desaparecer para volver a reaparecer en 1992 con la interpretación de algunos fragmentos del Amor Brujo de Falla.
De este acontecimiento quedó para la historia una grabación editada por Pasión con el irónico título de “Lole y Manuel cantan a Manuel de Falla”; irónico digo pues el papel de Manuel se redujo al de un cuestionable ‘director de producción’. El siguiente paso lo darán dos años después, en 1994, cuando Virgin Records hace un magistral lanzamiento de la sexta grabación oficial de Lole y Manuel juntos, titulada “Alba Molina” en honor a su hija de quince años que tenían en común. “Nunca la vuelta de unos artistas había despertado tanta expectación tan sólo con la noticia de su regreso”, rezaba un titular. Este trabajo les había llevado en realidad cuatro años de esfuerzos, tiempo que Lole también había utilizado como retiro “espiritual”, una palabra que -por cierto- utiliza incansablemente. “Nuestro silencio se ha debido a una búsqueda personal. Hubo un momento en que se me cerraron las puertas y me di cuenta de que yo tenía que alimentar mi espíritu. Ahora el Señor ha abierto mis puertas para cantar… Estoy haciendo mi vida espiritual y me va muy bien. Lo que pasa es que Dios aprovecha mi arte, y yo se lo tengo que dar al Rey de Reyes y Señor de Señores”. Como siempre, y también en los 90, con su música, además de comer, Lole trata de dar un mensaje: “Vale eso de “…una rosa es una rosa…” -dice ella citando una canción de Mecano-, pero ¿no tienes nada mejor, no se puede dar nada mejor?”. Pero la Lole de los 90 tiene una gran diferencia con la de los 70. “Una Lole totalmente distinta en el sosiego -decía un periodista-, la serenidad, ha enriquecido sus formas expresivas”. “Antes yo estaba viva, pero mi espíritu estaba muerto… Ahora sí que todo es de color” -decía ella.
Esta si que es la mas grande
dijo la rosa lunera…
mientras fenecía de envidia
Sevilla y la noche entera
Si todo es de color,
cuando en ti llueve la gracia
en mí se muere el dolor
mientras el cariño abraza
los ecos de tu canción
Conoceréis la verdad, y la verdad os hará libres, Juan 8:31-38
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse
ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Evangelio para Borregos y Payasos
Hoy, La derecha y la izquierda son las dos patas del mismo Banco criminal
The Munsters (en Hispanoamérica: Los Munsters o La Familia Monster, en España: La Familia Monster) es una telecomedia estadounidense que muestra la vida hogareña de una familia de monstruos benignos protagonizada por Fred Gwynne como Herman Munster, cabeza de monstruo del tipo Frankenstein, Yvonne De Carlo como su esposa vampiro, Lily Munster, Al Lewis como el abuelo, el vampiro callejero que disfruta hablando de los “buenos viejos tiempos”, y Beverley Owen (luego reemplazada por Pat Priest) como su sobrina adolescente cuya belleza totalmente estadounidense la convirtió en la marginada de la familia y Butch Patrick medio vampiro y medio hombre lobo como Eddie Munster.
Producida por la cadena CBS y transmitida originalmente entre los años 1964 y 1966, contando con 70 capítulos y dos temporadas.
La serie fue una sátira de las películas de monstruos tradicionales y de la comida familiar sana de la época. Corría al mismo tiempo con la temática similar macabra de The Addams Family (serie de 1964) (se emitió en ABC) y logró cifras más altas en las calificaciones de Nielsen.
Basándose en la serie original se realizaron años más tarde las películas Munster Go Home (1966) y The Munsters’ Revenge (1981). Esta serie es considerada como de culto y ha sido repuesta numerosas veces en todo el mundo.
El 26 de octubre de 2012 se lanzó un piloto fallido que intentó hacer un reboot de la serie que finalmente nunca sucedió, con un toque algo más siniestro pero conservando su estilo gótico y en el género de comedia familiar, denominada, Mockingbird Lane.
Los Munsters viven en 1313 Mockingbird Lane en la ciudad de Mockingbird Heights, un barrio ficticio en California. La mordaza de la serie es que la familia, aunque es decididamente extraña, se considera a sí misma gente de la clase trabajadora bastante típica de la época. Herman, como muchos maridos de la década de 1960, es el único asalariado en la familia, aunque Lily y el abuelo hacen intentos (de corta duración) de ganar dinero de vez en cuando. Mientras que Herman es el jefe de familia, Lily también toma muchas decisiones. Según el episodio en el que Lily y Herman Munster intentaban sorprenderse mutuamente por su aniversario, se casaron en 1865. A pesar del enfoque novedoso de que la familia es (en su mayoría) criaturas sobrenaturales (excepto la sobrina Marilyn, que es “normal”), el programa siguió la típica fórmula familiar de la época: el padre bien intencionado, la madre que cuida, el familiar excéntrico, el adolescente ingenuo y el niño precoz.
Los disfraces y las apariciones de los miembros de la familia que no sean Marilyn se basaron en los monstruos clásicos de las películas de Universal Studios de los años 1930 y 1940. Universal produjo The Munsters también y así pudo usar estos diseños con derechos de autor, incluida su versión icónica del monstruo de Frankenstein para Herman. Otros estudios eran libres de hacer películas con la criatura Frankenstein, por ejemplo, pero no podían usar el vestuario y el estilo de maquillaje originalmente creado por Jack Pierce (make-up artist) para la película de 1931 de Universal Studios de Frankenstein. El maquillaje para el espectáculo fue creado y aplicado a los actores por Bud Westmore, quien fue pionero en muchos efectos de maquillaje y diseños para muchas de las películas de monstruos universales.
La idea en que se sostenía el programa era similar a la de The Addams Family. A diferencia de ésta, utilizaba personajes típicos del terror y no personajes originales.
A pesar de ser un gran éxito de la televisión, la serie fue cancelada a finales del año 1966, debido a un desacuerdo entre los productores de la serie y la CBS. Hasta entonces, toda la serie se había emitido en blanco y negro, y la cadena planeaba la versión en color de todos sus espectáculos. Ello encarecía los costes y, en el caso de esta serie, no se llegó a decidir quién cubriría los nuevos gastos.
Herman Munster (Monstruo de Frankenstein): Es el padre de la familia. Es bueno, raro y muy alto. Quiere mucho a su esposa. La mayoría de las veces, el abuelo es cómplice de sus ocurrencias.
Lily Munster (Vampiresa): Es una vampiresa que quiere mucho a su marido Herman. Trata de conciliar al Abuelo y a Herman. Se considera una ama de casa media estadounidense.
Abuelo Drácula (El conde Drácula): Padre de Lily. Miembro del Sindicato de Científicos Locos. Es el único que ha vivido en Transilvania y a veces la añora. Pasa mucho tiempo en el sótano, donde tiene su laboratorio y realiza los más extraños experimentos. No se lleva muy bien con Herman, y adora a su nieto Eddie.
Eddie Munster (Hombre lobo): Hijo de Lily y Herman. Tiene unos 10 o 12 años, y es un hombre lobo. Va al colegio y le gustan los experimentos del abuelo. Duerme en un armario de la alacena.
Marilyn Munster (Dama en Apuros): Sobrina de Lily. Es la única de la familia con un aspecto corriente, una chica rubia universitaria muy bella. El resto de la familia está muy preocupado por ella, ya que no encuentra pareja debido a su “fealdad”.
Spott (Dragón): Mascota de la familia Munster. Es muy grande y le gusta jugar con Eddie Munster.
Kitkittyty: Mascota de los Munsters, favorita de Lily. Es un gato que ruge como león.
Igor: Es un murciélago del Abuelo Munster.
Charlie el cuervo: Vive en el reloj de la casa y repite la palabra “nunca más´´, frase de Edgar Allan Poe.
Mano cortada, está viva y a veces se esconde o se escapa causando problemas.
‘La familia Monster’ resucitará 50 años después
America’s First Family of Fright!
The Munsters is a 1960’s American family television sitcom depicting the home life of a family of monsters. It starred Fred Gwynne as Herman Munster and Yvonne De Carlo as his wife, Lily Munster. The series was a satire of both traditional monster movies and popular family entertainment of the era, such as Leave It to Beaver. It ran concurrently with The Addams Family. Although the Addamses were well-to-do, the Munsters were a more blue-collar family.
Meet The Munsters Cast
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Agresividad, mal humor, aislamiento, abandono de los estudios y del entorno social. Estos son algunos de los síntomas de la adicción a los teléfonos móviles. La adicción al móvil puede desarrollarse en muy pocos meses dado que el placer es inmediato y los cambios bioquímicos en el cerebro son la base de los psicológicos.
El progreso “sucial”, el cacareado avance de las Tecnologías de la Información y la Comunicación, promueven nuevos patrones de comportamientos susceptibles de promover dependencia, como es el abuso del teléfono móvil. El uso y abuso de este, ahora denominado dispositivo inteligente, ha generado un cierto tipo de vida en torno a él, a lo que nos aporta y sobre todo, al tiempo y calidad de las relaciones sociales que antes, quizá no habríamos reparado en ellas. Si bien la adicción entre adolescentes obedece a que en muchas o la mayoría de las ocasiones la parte de autocontrol, la capacidad de regular las emociones y no dispersarse con otras actividades es menor, en adultos, llama la atención el tipo de personalidades que delatan sin más dilación cómo son en su vida cotidiana de acuerdo con la relación de dependencia que mantienen con el móvil.
La comunicación que era el inicio y fin de un teléfono se ha convertido en algo meramente secundario si hablamos de la dependencia en torno a lo que se publica en las redes sociales, el tiempo invertido en estos lugares además de la descarga de películas, fotos, música etc. que se emplea a diario.
Pocos elementos a lo largo de la historia han resultado ser tan importantes en el día a día del ser humano como es ahora el teléfono móvil, dado que puede ser determinante en la identidad del individuo y en el fondo tan esencial, que puede crear relaciones de dependencia y apego emocional.
Además, los llamados smartphones, (teléfonos inteligentes); pueden estar provocando numerosos casos de dependencia en personas que obtienen, de estas herramientas, un refugio que las aleja de sus problemas emocionales o familiares. Se trata de conductas repetitivas que resultan placenteras en las primeras fases, pero que después no pueden ser controladas por el individuo. El actual uso problemático del dispositivo, ya sea teléfono, tableta u ordenador portátil para fines lúdicos, es actualmente un foco de interés en la literatura científica y también del estudio de la psicología humana si bien, al considerar ya esta relación móvil-adulto dentro de las conductas adictivo-compulsivas, el sujeto se ve inmerso en una pérdida de control que raramente percibe pero sí lo hacen las personas de su entorno más cercano.
En los usuarios que abusan del teléfono móvil, se puede observar que están de manera constante, casi obsesiva comprobando el teléfono a cada rato, lo que supone que lo pueden llegar a consultar cerca de 150 veces al día, el día que menos lo hacen, frente a un día intenso que puede acarrear 400 consultas.
El llamado control de los impulsos que en la adolescencia se presume bajo y normalmente no está regulado y además, se acepta como algo válido cuando se usa del móvil pero en adultos, el control de estos se da por hecho y llega a ser tan ineficaz como cualquier adicción al alcohol, drogas o juego y por ello, debe o tendría que estar valorado por un experto en adicciones.
Si nota que no puede vivir sin el móvil, algo más está sucediendo. La relación de dependencia que genera conductas adictivas entre adultos, relaciona el uso abusivo del móvil con determinados tipos de personalidades, si bien, en los estudios hechos a propósito se relaciona la escala de potencial de adicción (APS) con la autoestima, la personalidad del individuo y dosis altas de neurosis que generan estas conductas compulsivas.
Los abusos de la tecnología según las investigaciones en torno a las muestras obtenidas por adultos que se han sometido a varios estudios, consideran que el abuso de internet, está asociado a altos niveles de ansiedad y el abuso del móvil está asociado a niveles altos de ansiedad e insomnio, si bien, las mujeres abusan algo más que los hombres en este sentido.
En la misma dirección, existe un cierto grado entre el psicoticismo y la inhibición reducida sobre el uso del móvil en determinados contextos sociales y se observa que las personas que abusan de ello, prefieren el contacto con sus iguales a través de WhatsApp, por ejemplo, que en directo, dado que así evitan el contacto directo y todo lo que supone enfrentarse a alguien durante un tiempo. Los llamados contactos o amigos de la red son personas sobre las cuales no se tiene vínculo alguno y están mantenidas en el tiempo porque generan sensación de grupo y nunca se sabe, advierten los usuarios, pueden ser amigos en algún momento dado.
Cuando el móvil genera abstinencia, falta de control, tolerancia o interferencia en la vida diaria, una falta de control de los impulsos, necesariamente la persona tiene una baja autoestima y necesita buscar estímulos y sensaciones que le devuelvan a lo que inicialmente considera que ya ha perdido.
El móvil de igual forma ha permitido identificar los comportamientos y conductas susceptibles de ser evaluados por profesionales de las adicciones con el compromiso de saber y ahondar en la repercusión que el móvil está generando en el usuario que a todas luces, no es consciente de su dependencia, sea cual fuere. En otros casos, en pacientes adictos al móvil se ha comprobado en algunos estudios que encuentran una relación directa entre el grado de dependencia y utilizan el aparato como estrategia de afrontamiento de estados emocionales negativos tales como el aburrimiento o la disforia. Algunos también notan cierto malestar si no lo tienen, dificultad en el control de la utilización, problemas de pareja, o interferencia con actividades lúdicas (ir al cine y estar mirando el móvil, por ejemplo.)
En los casos más agudos, si usted notara que tiene inseguridad o ansiedad y quizá miedo a salir sin él, vuelve si se le olvida o nota un estado de ánimo alterado que le supone una conducta disruptiva entonces, el problema se le ha ido de las manos. El uso de Internet por el móvil, o el desarrollo de aplicaciones como WhatsApp o las redes sociales, Instagram, Facebook o Twitter, entre otras, no sólo modifica el patrón de uso de los teléfonos móviles, sino que son algunas de las variables cruciales que también pueden inducir el abuso o la dependencia del aparato. Esto es particularmente relevante en los adolescentes, pero si usted ya ha pasado la segunda década de la vida y se siente enganchado, piense que le está afectando más de lo debido y quizá, una evaluación y un diagnóstico eficaz le permita averiguar por qué se refugia ahí y de qué pretende evadirse. No todo está en la pantalla, la vida sigue, y muchas veces ni siquiera nos fijamos en ella porque vamos mirando la pantalla, incluso, caminando. La adicción está ahí y va a más, pregúnteselo si le pasa algo si no tiene el móvil a mano.
En vivo
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Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Dijo Jesús: «Ama a tu hermano como a tu alma; cuídalo como la pupila de tu ojo».
Evangelio de Tomás 25
Las identidades son siempre múltiples y no deberían empobrecerse para servir a una bandera.
La manada, la tribu, la nación, el pueblo. Hay verdadero pavor en los últimos años a desengancharse del grupo, y a perderse en las cosas de cada uno.
Así que lo habitual es tirar el ancla para fijarla de manera firme en algún lugar que dé calor y que sirva para confirmar que sí, que eres de los nuestros. Los expertos suelen referirse a la globalización para entender esa querencia: la gente busca afinidades para no extraviarse en esa vaga nebulosa donde existe tanta diversidad. Hay otros que entienden que son conductas provocadas por la crisis económica, y es que si no fuera por los más próximos podrías haber sido fulminado. Otra interpretación más: Internet te abre a un mundo tan vasto y ajeno que más vale buscar ahí a tus afines y darle al “me gusta”.
La peste de las identidades está a la orden del día. Es necesario y urgente pertenecer a algo, vestir las mismas camisetas, levantar las mismas banderas, aspirar a una pureza intachable, ser auténticamente de izquierdas, o derechas, tener raíces, no cometer traición. De lo que se trata, antes que nada, es de compartir unas señas de identidad y de tener localizado al enemigo. Cuando reflexiona sobre los afanes de tantos por legitimar la propia causa en su último libro.
La flecha (sin blanco) de la historia, el filósofo Manuel Cruz cita unas observaciones de un artículo de Tzvetan Todorov, “Cuando uno atribuye todos los errores a los otros y se cree irreprochable, está preparando el retorno de la violencia, revestida de un vocabulario nuevo, adaptada a unas circunstancias inéditas. Comprender al enemigo quiere decir también descubrir en qué nos parecemos a él”.
Nada más alejado de la corriente que hoy se impone, donde lo que sobre todo importa es ser de la manada, de la tribu, de la nación, del pueblo. Hay, sin embargo, otros mundos y, por extraño que parezca, están en este. Por ejemplo, William Morris. Vivió en la Inglaterra victoriana y tuvo tiempo para hacer de todo. Fue diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista traductor, bordador, tejedor, impresor, tipógrafo, editor, agitador político, etcétera. Una exposición recoge una amplia muestra de su obra en la Fundación Juan March de Madrid, y en su sala de conferencias recordó el escritor Ignacio Peyró hace unos días que uno de los caminos que exploró para forjar sus derroteros espirituales fue el de regresar al medievo. En la Inglaterra cargada de humo y manchada con el hollín de las fábricas de la era industrial,
Morris eligió el lustre de los ideales caballerescos y el esplendor de las catedrales góticas.
Procedía de una buena familia, jamás tuvo dificultades económicas, tenía las antenas puestas para atrapar cuanto contribuyera a conquistar más belleza.
Pero las injusticias lo exasperaban. Así que se metió en política, entregado a difundir la causa socialista. Hay otros mundos, sí, pero están en este.
Y frente a cuantos reclaman las identidades sin mácula, confirman que las cosas son más complejas, que somos mestizos y que también llevamos al enemigo dentro.
William Morris, (born March 24, 1834, Walthamstow, near London, England—died October 3, 1896, Hammersmith, near London), English designer, craftsman, poet, and early socialist, whose designs for furniture, fabrics, stained glass, wallpaper, and other decorative arts generated the Arts and Crafts movement in England and revolutionized Victorian taste.
Morris was born in an Essex village on the southern edge of Epping Forest, a member of a large and well-to-do family. From his preparatory school, he went at age 13 to Marlborough College. A schoolfellow described him at this time as “a thick-set, strong-looking boy, with a high colour and black curly hair, good-natured and kind, but with a fearful temper.” Morris later said that at Marlborough he learned “next to nothing…for indeed next to nothing was taught.” As in later life, he learned only what he wanted to learn.
In 1853 Morris went to Exeter College at the University of Oxford, where he met Edward Jones (later the painter and designer Burne-Jones), who was to become his lifelong friend. Both Morris and Jones became deeply affected by the Oxford movement within the Church of England, and it was assumed that they would become clergymen. Nevertheless, it was the writings of art critic John Ruskin on the social and moral basis of architecture (particularly the chapter “On the Nature of Gothic” in The Stones of Venice) that came to Morris “with the force of a revelation.” After taking a degree in 1856, he entered the Oxford office of the Gothic Revivalist architect G.E. Street. In the same year he financed the first 12 monthly issues of The Oxford and Cambridge Magazine, where many of those poems appeared that, two years later, were reprinted in his remarkable first published work, The Defence of Guenevere and Other Poems.
Visits with Street and Burne-Jones to Belgium and northern France, where he first saw the 15th-century paintings of Hans Memling and Jan and Hubert Van Eyck and the cathedrals of Amiens, Chartres, and Rouen, confirmed Morris in his love of medieval art. It was at this time that he came under the powerful influence of the Pre-Raphaelite painter and poet Dante Gabriel Rossetti, who persuaded him to give up architecture for painting and enrolled him among the band of friends who were decorating the walls of the Oxford Union with scenes from Arthurian legend based on Le Morte Darthur by the 15th-century English writer Sir Thomas Malory. Only one easel painting by Morris survives: La Belle Iseult, or Queen Guenevere (1858). His model was Jane Burden, the beautiful, enigmatic daughter of an Oxford groom. He married her in 1859, but the marriage was to prove a source of unhappiness to both. Morris appears at this time, in the memoirs of the painter Val Prinsep, as “a short square man with spectacles and a vast mop of dark hair.” It was observed “how decisive he was: how accurate, without any effort or formality: what an extraordinary power of observation lay at the base of many of his casual or incidental remarks.” From 1856 to 1859 Morris shared a studio with Burne-Jones in London’s Red Lion Square, for which he designed, according to Rossetti, “some intensely medieval furniture.”
After his marriage, Morris commissioned his friend the architect Philip Webb, whom he had originally met in Street’s office, to build the Red House at Bexleyheath (so called because it was built of red brick when the fashion was for stucco villas). It was during the furnishing and decorating of this house by Morris and his friends that the idea came to them of founding an association of “fine art workmen,” which in April 1861 became the firm of Morris, Marshall, Faulkner & Company, with premises in Red Lion Square. The other members of the firm were Ford Madox Brown, Rossetti, Webb, and Burne-Jones. At the International Exhibition of 1862 at South Kensington they exhibited stained glass, furniture, and embroideries. This led to commissions to decorate the new churches then being built by G.F. Bodley, notably St. Martin’s-on-the-Hill at Scarborough. The apogee of the firm’s decorative work is the magnificent series of stained-glass windows designed during the next decade by Burne-Jones for Jesus College Chapel, Cambridge, the ceiling being painted by Morris and Webb. The designs for these windows came to Morris uncoloured, and it was he who chose the colours and put in the lead lines. He also designed many other windows himself, for both domestic and ecclesiastical use.
Two daughters, Jenny and May, were born in 1861 and 1862, and altogether the five years spent at Red House were the happiest of Morris’s life. After a serious attack of rheumatic fever, brought on by overwork, he moved in 1865 to Bloomsbury in London. The greater part of his new house was given over to the firm’s workshops—an arrangement that, combined with her husband’s boisterous manners and Rossetti’s infatuation with her, reduced Jane to a state of neurotic invalidism. Morris’s first wallpaper designs, “Trellis,” “Daisy,” and “Fruit,” or “Pomegranate,” belong to 1862–64; he did not arrive at his mature style until 10 years later, with the “Jasmine” and “Marigold” papers.
As a poet, Morris first achieved fame and success with the romantic narrative The Life and Death of Jason (1867), which was soon followed by The Earthly Paradise (1868–70), a series of narrative poems based on classical and medieval sources. The best parts of The Earthly Paradise are the introductory poems on the months, in which Morris reveals his personal unhappiness. A sterner spirit informs his principal poetic achievement, the epic Story of Sigurd the Volsung and the Fall of the Niblungs (1876), written after a prolonged study of the sagas (medieval prose narratives) read by Morris in the original Old Norse. The exquisitely illuminated A Book of Verse, telling once more of hopeless love and dedicated to Georgina Burne-Jones, belongs to 1870.
Before there was ‘The Matrix’ and ‘Bladerunner’, before there was even ‘1984’, there was Brave New World. It is astonishing that Aldous Huxley wrote this tale of technological dystopia in 1932. The social elements from the story are similar to those in Orwell and Kafka and others, namely a society of obedient sheep run by the state and benevolent dictators through brainwashing and groupthink. But what’s striking about the novel is how it so astutely anticipates a society taken over by benevolent technocrats rather than politicians, a scenario that appears increasingly likely in the age of AI and genetic engineering.
Tudos con LULA
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse
ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Hablar de la destrucción de libros obliga a referirse al fanatismo, al desprecio por el conocimiento, al deseo de borrar la memoria histórica de los pueblos, de eliminar la discrepancia, la crítica y el diálogo. Destruir obras impresas por motivos religiosos, políticos o por pura ignorancia es un atentado contra la humanidad, un crimen contra el espíritu cuyas consecuencias han sido más serias de lo que podría suponerse. La historia nos presenta una minuciosa crónica sobre este fenómeno. Su interés radica no sólo en ofrecer un recuento de libros y bibliotecas que ya no existen, sino también en analizar las razones que han llevado a los seres humanos a cometer este acto de vandalismo contra sí mismos. El resultado es una imperecedera reflexión sobre la cultura, la verdad y la libertad.
El ejemplo de la desaparición de la antigua biblioteca de Aejandría como la mayor catástrofe acontecida en el mundo bibliotecario. Sin embargo, a lo largo de la Historia muchas han sido las bibliotecas que han desaparecido junto sus materiales librarios. Aunque las circunstancias de la desaparición de la biblioteca de Alejandría todavía no están del todo claras, muchas bibliotecas han ido desapareciendo por decadencia, incendios o simplemente por el efecto de las bombas o por los saqueos de los soldados conquistadores.
Sin embargo, los enemigos de los libros también pueden llegar a ser otros, puesto que han existido movimientos de pensamiento y grandes pensadores han abogado por la destrucción de los libros. Por ejemplo, René Descartes (1596-1650) se mostró tan seguro de su método que pidió a sus lectores que quemasen sus libros antiguos, mientras que el filósofo David Hume (1711-1776) no vaciló a la hora de exigir la supresión de todos los libros sobre Metafísica. Por otro lado, el movimiento de los futuristas de 1910 publicó un manifiesto en el que pedía acabar con todas las bibliotecas y el escritor Vladimir Nabokov (1899-1977) quemó un ejemplar de El Quijote en el Memorial Hall (Massachusetts) ante más de 600 alumnos.
El ejemplo más sangrante es el de la Guerra de Irak donde su biblioteca nacional sufrió un saqueo por parte de bandas organizadas estadounidenses que sabían qué lugares estaban desprotegidos. Según la Convención de la Haya de 1954, la nación que ocupa un territorio debe de proteger los bienes culturales de éste como un principio legal ineludible, sin embargo EEUU pareció dejar hacer con el único fin que la destrucción y el saqueo.
La Biblioteca Nacional de Irak consistía en un edificio de tres pisos, construido en 1977, situado en la capital Bagdad. La segunda planta albergaba el Archivo General, por lo que además de un millón de volúmenes de la Biblioteca, desaparecieron 10 millones de documentos, algunos del período otomano.
En la actualidad los mal llamados medios de comunicación pseudoficialistas mundiales contribuyen a la sistemática destrucción y manipulación de la cultura y los libros poniendo trabas a su difusión y uso general por medio de absurdas leyes internacionales y prohibiciones, así como al silenciamiento sistemático de autores y obras no-gratas, para los objetivos de sus “dueños” de estupidización e incultura generalizada…
John Denver, nacido como Henry John Deutschendorf, Jr. (Roswell, Nuevo México, 31 de diciembre de 1943-Bahía de Monterey, cerca de Pacific Grove, California, 12 de octubre de 1997), fue un cantante country, compositor, músico y actor estadounidense. Denver murió a los 53 años de edad cuando pilotaba un Rutan Long-EZ, un avión experimental de fibra de vidrio.
John Denver nació en Roswell, Nuevo México. Su padre, Henry Deutschendorf, Sr., era oficial de las fuerzas aéreas e instructor de vuelo. Denver nació cuando su padre estaba en el Roswell Army Air Field. Creció en numerosas bases del sudoeste estadounidense. Denver entró en el instituto en Fort Worth, Texas y más tarde en el Texas Tech donde fue miembro de la fraternidad Delta Tau Delta.
Su introducción en el mundo de la música llegó a la edad de doce años cuando su abuela le regaló una guitarra acústica 1910 Gibson. Empezó a actuar en clubes locales cuando aún estaba en la universidad. En 1964 abandonó la universidad y se mudó a Los Ángeles, California para ingresar en el Chad Mitchell Trio, un grupo folk. Dejó el grupo, por entonces conocido como Denver, Boise y Johnson, en 1969 para empezar una carrera en solitario.
Este mismo año lanzó su primer LP, Rhymes and Reasons. Durante los cuatro años siguientes, álbumes como Whose Garden Was This, Take Me to Tomorrow y Poems, Prayers and Promises se estableció como una estrella de la canción estadounidense popular.
Denver tenía una exitosa carrera como cantante y compositor, y una carrera menor como actor -su película más notable, hecha en 1977, fue Oh, God!. En 1994 escribió una autobiografía titulada Take Me Home. Se mudó a Aspen, Colorado persiguiendo su primer éxito en solitario con Leaving on a Jet Plane.
Denver no sólo es conocido como cantante, lo es por su labor humanitaria. Trabajó extensamente en proyectos de conservación y ayudó a crear el Arctic National Wildlife Refuge en Alaska. También fundó su propio grupo ecologista llamado Windstar Foundation. Denver tuvo también mucho interés en las causas y las soluciones del hambre, y visitó África durante la década de 1980 para ser testigo de primera mano del sufrimiento causado por el hambre y también para trabajar con los líderes africanos detrás de una solución.
Después de una agradable experiencia en The Muppet Show, grabó otros dos especiales con muñecos: John Denver and the Muppets: A Christmas Together (1979) y John Denver and the Muppets: Rocky Mountain Holiday (1982). Desafiando todas las etiquetas convencionales, John Denver ocupó un singular lugar en la música estadounidense: un compositor cuyo inmenso trabajo popular que habitaba el mundo natural. Canciones como Take Me Home, Country Roads, Leaving on a Jet Plane o Rocky Mountain High son famosas en todo el mundo. Las características de sus canciones son: una melodía dulce, un acompañamiento de guitarra elegante y una verdadera convicción en sus letras. Fue uno de los pocos cantantes occidentales conocidos más allá de Europa, incluyendo África, India y el sudeste asiático.
Justo en la cima de su carrera John Denver fue reconocido por el gobernador de Colorado como el poeta del Estado. En ese momento su discográfica “Windsong” era la responsable del éxito «Afternoon Delight» de Starland Vocal Band, él apareció en una gran cantidad de especiales de televisión y en 1977 tuvo una aparición estelar en la película “Oh, God!” junto a George Burns. Durante esa época también recortó significativamente su producción hasta 1980 con “Autograph”.
En 1981 se presentó junto con el tenor Plácido Domingo, pero en la medida en que avanzaban los años 1980 su popularidad decaía. Mucho del declive obedecía a que ahora concentraba sus energías en temas humanitarios, ecológicos y relacionados con la paz mundial.
En febrero de 1985 se presentó en el XXVI Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile) y causó un gran suceso en dicho país. En mismo año, durante su segunda visitó la Unión Soviética, el sub director de Asuntos Culturales de Leningrado presentó a Denver ante la prensa diciendo:
Hay un dicho ruso que dice que la primera manifestación de la primavera no nos dirá cómo será toda la estación, pero esa primera manifestación puede marcar el cambio a una estación más caliente. Esperamos que esta visita de John Denver conduzca a una relación cultural más cálida entre Estados Unidos y la Unión Soviética.
Denver respondió:
Como artista y cantante estoy comprometido con construir entendimiento y amistad entre los pueblos.
Sus esfuerzos por la paz y la desaparición del hambre le llevaron a escribir a Ronald Reagan y a Mijaíl Gorbachov para que destinaran más dinero a solventar los problemas del hambre que a las armas. Hacia mediados de 1985, Denver testificó junto a Frank Zappa y Dee Snider en un asunto de la censura en una audiencia de la PMRC.
En 1987 se presentó en China, la Unión Soviética y en la recientemente devastada Chernobyl. El esfuerzo de Denver por estrechar lazos entre las potencias enfrentadas en la Guerra Fría le llevó a grabar una canción contra el armamentismo junto con el cantante soviético Alexandre Gradsky, la primera vez que el régimen permitía algo parecido.
Más tarde, hacia 1992, John Denver viajó aún más lejos para presentarse en China y en 1994 cantó en Vietnam, siendo la primera vez que un artista estadounidense cantaba después de la Guerra de Vietnam.
A lo largo de su vida, John Denver recibió todo tipo de reconocimientos que van desde los que se entregan a los artistas, hasta los que solo se le dan a aquellas personas que hacen lo humanamente posible para hacer de este un mundo mejor.
En los meses inmediatamente anteriores a su muerte en un accidente de avión en 1997 a la edad de 53 años, estuvo grabando un episodio de Nature Series, centrado en las maravillas naturales, la inspiración de sus canciones más queridas. El resultado es una película conmovedora y melódica que registra sus últimos viajes en el yermo y contiene su última canción «Yellowstone, Coming Home», compuesta mientras navegaba por el río Colorado con su hijo y su hija pequeña.
Denver tuvo dos pasiones en su vida: la música y volar. Como piloto experimentado, Denver tenía su propio Learjet, planeadores y voló en aviones acrobáticos y a veces en un F-15. Esta pasión por el aire le costó a Denver la vida cuando cayó al mar en su recientemente adquirido Rutan Long-EZ (N555JD) el 12 de octubre de 1997.
El percance sucedió durante un vuelo solitario, cuando se estrelló en las inmediaciones de una playa del Océano Pacífico, cerca de Pacific Grove, California.
Su vuelo lo había iniciado a las 17:12 UTC Tiempo del Pacífico, y la tragedia se estimó que ocurrió a las 17:28 UTC, alrededor de 15 a 16 minutos después de su despegue.
Los medios de comunicación publicaron versiones contrarias de la causa del accidente, donde de hecho, fueron múltiples causas serias del percance (que es común en los accidentes aéreos), y en última instancia un error del piloto por no preparar adecuadamente el vuelo en un avión poco familiar para él o un error del piloto al procurar cambiar al tanque derecho y poniendo inadvertidamente el avión en un terreno escarpado.
El informe del accidente resaltó los siguientes factores:
Denver comenzó el vuelo sabiendo que los tanques estaban bajos de combustible pero descuidó el llenarlos, pensando que sería un viaje de una hora de duración.
El selector de combustible estaba situado en un lugar poco común, difícil de alcanzar por el piloto.
El selector de combustible no tenía marcas, e iba en función del instinto del piloto.
Las vistas a la gasolina eran no lineales y no estaban marcadas, dando como resultado que no tuviera la intuición de la medida del combustible.
Es probable que el combustible del tanque izquierdo del avión se consumiera durante la primera hora de vuelo.
Denver tendría que haber aflojado su arnés y torcido el cuerpo para alcanzar el selector de combustible.
En hacer esto es probable que Denver pisara inadvertidamente el pedal del timón derecho.
Con el pedal del timón presionado, el avión se habría precipitado hacia un terreno escarpado.
Denver estaba preocupado en intentar cambiar al otro tanque y recuperar la energía del motor. Al hacer esto no detectó el banco al que se acercaba.
El avión cayó al océano antes de que Denver pudiera recuperar el control.
El accidente de Denver ha ayudado a cambiar los sistemas de seguridad en aviones pequeños. La vida de Denver fue honrada en la Iglesia Presbiteriana de la Fe en Aurora, Colorado, el 17 de octubre de 1997.
Leaving from anabel amiens on Vimeo.
HERE IS THE NEW SLAVERY
DON´T ACEPT IT FIGHT THE NEW WORLD DIS-ORDER !
LIBRO SEMANAL
The time is ripe for a MASS EXODUS from YouTube
And Vimeo is the same shit
What’s even more insane is that YouTube sees the use of CBD oil to cure cancer as being no different than a terrorist who builds a pipe bomb in his kitchen to destroy human life. To YouTube, both acts are dangerous and “violent,” and have no place on YouTube. This says a whole lot about the mindset of YouTube’s leadership, seeing as how the site has no problem spreading content that’s utterly vulgar, perverse, and ompletely inappropriate for normal viewing. In other words, information about how natural plant extracts can be used to get healthy is prohibited content at YouTube, but videos that teach young people about how to use anal beads or how to become transgender is completely acceptable and actively welcomed at YouTube.
The good news is that YouTube isn’t the only video content website out there, and free-thinking people would do well to abandon the site entirely for greener, less-censored pastures. By the way, the 43-second video that triggered YouTube to remove Natural News from its platform…
Según la mitología griega, en el principio sólo reinaba el Caos o la Nada. De él surgieron los dioses primordiales de los cuales proceden todos los demás. Estos dioses primigenios eran Gaia (la Madre Tierra), Eros (la fuerza de la Procreación), el Tártaro o Inframundo, un gran pozo de oscuridad bajo la tierra (el Infierno de los griegos), Erebo o dios primordial de la Oscuridad y Nyx, la diosa de la Noche.
Como una de las diosas más antiguas, Nyx jugó un papel muy importante entre los antiguos griegos, entre otras cosas porque era la responsable de la existencia de muchos de sus dioses más importantes. Dos de sus hijos fueron fruto de la unión con su hermano Erebo, Eter y Hemera, dioses del Cielo y de la Luz del Día respectivamente. Los griegos creían que el día comenzaba cuando Hemera salía del Tártaro a la superficie, sustituyendo a su madre Nyx, y que la noche llegaba cuando la hija regresaba al Inframundo y volvía a ser sustituida por su progenitora. El resto de su descendencia fue engendrada por ella misma.
Algunos de sus hijos fueron:
Los gemelos Hipnos y Tánatos, espíritus del Sueño y de la Muerte. Solían sobrevolar la Tierra cada noche con su madre Nyx. Algunos dicen que ambos hermanos procrearon a los Oneiroi (los Sueños). Otras versiones cuentan que eran sus hermanos menores cuyo líder era Morfeo.
-Las Keres, espíritus femeninos, también conocidas como las Furias, diosas de la muerte violenta (aquella que acontecía en el campo de batalla, por accidentes, asesinatos o enfermedades especialmente virulentas y crueles).
-Némesis, diosa de la Justicia Divina y del Equilibrio. Ella se encargaba de distribuir en su justa medida tanto la felicidad como la desgracia, así como de repartir el castigo o recompensa merecidos.
-Las Hespérides, guardianas de las manzanas de oro en el jardín del mismo nombre.
-Styx, diosa del río Estigia y personificación del Odio.
Nxy tuvo muchísimos hijos más, la mayoría de carácter maléfico y oscuro. No en vano su hogar era el Inframundo y su reino era la Noche. Los griegos la representaban como una bella mujer alada que conducía un carro, ataviada con un gran manto negro plagado de estrellas y acompañada de sus hijos Hipnos y Tánatos. Sus poderes excedían a los de cualquier otro dios y su culto se llevaba a cabo en toda Grecia.
En la Teogonía de Hesíodo, la Noche nació del Caos. Su descendencia es mucha, y reveladora. Con su hermano Érebo (Oscuridad), la Noche concibió a Éter (Puro brillo, Luminosidad) y Hemera (Día). Más tarde, por sí misma y sin intervención masculina, Nix engendró a Moros (Destino), Ker (Perdición), Tánatos (Muerte), Hipnos (Sueño), Geras (Vejez), Ezis (Dolor), Apate (Engaño), Némesis (Castigo merecido), Eris (Discordia), Filotes (Amistad, Ternura), Momo (Burla), las Hespérides (Hijas de la Tarde), los Oniros (los Sueños), las Keres (espíritus de la destrucción y muerte) y las Moiras (Destino).
En su descripción del Tártaro, Hesíodo añade que Hemera, quien ahora es hermana de la Noche en vez de su hija, abandonaba el Tártaro justo cuando Nyx entraba en él; cuando Hemera volvía, Nyx se marchaba. Esto asemeja el retrato de Ratri (‘noche’) en el Rig-veda (el texto más antiguo de la India, de mediados del II milenio a. C.), donde ésta trabaja en estrecha colaboración pero también en tensión con su hermana Usha (‘amanecer’).
En el Libro 14 de la Ilíada de Homero hay una interesante cita de Hipnos, el dios menor del sueño, en la que recuerda a Hera un antiguo favor después de que ésta le pida que haga dormir a Zeus. Hipnos hizo dormir anteriormente a Zeus una vez a instancias de Hera, lo que le permitió causar grandes infortunios a Heracles (quien regresaba por mar de la Troya de Laomedonte). Zeus montó en cólera y habría arrojado a Hipnos al mar si éste no hubiera huido asustado hasta Nix, su madre. Zeus, temiendo enfadar a Nix, contuvo su furia y de esta forma Hipnos logró escapar. Este mito convierte a Nix en la única divinidad a la que realmente temía Zeus.
La Noche adquirió un papel incluso más importante en varios poemas fragmentarios atribuidos a Orfeo. En ellos, la Noche el principio fundamental junto con su padre Caos. La Noche ocupaba una cueva o adyton, donde da oráculos. Urano —que está encadenado dentro, dormido y borracho de miel— sueña y profetiza. Fuera de la cueva, Adrastea tañe címbalos y golpea su tympanon, moviendo el universo entero en una eufórica danza al ritmo del canto de Nix.
La Noche también es el principio en el coro de apertura de Las aves de Aristófanes, que puede ser de inspiración órfica. Aquí también es la madre de Eros. En otros textos puede ser también la madre de Caronte y Ptono con Érebo.
El tema de la cueva u hogar de la Noche, allende el océano (como en Hesíodo) o en algún lugar al borde del cosmos (como en el orfismo) puede haber tenido su eco en el poema filosófico de Parménides. El investigador clásico Walter Burkert ha especulado que la casa de la diosa a la que el filósofo fue transportado es el palacio de la Noche. Esta hipótesis, sin embargo, debe tomarse con cautela.
En Grecia, la Noche rara vez es destinataria de cultos. De acuerdo con Pausanias, tenía un oráculo en la acrópolis de Megara.
Más frecuentemente, Nix merodea en el fondo de otros cultos. Por eso había una estatua llamada Noche en el templo de Artemisa en Éfeso. Los espartanos rendían culto al Sueño y a la Muerte, concebidos como gemelos, sin duda la Noche era su madre. Títulos de culto compuestos por la partícula nix- eran otorgados a varios dioses, notablemente a Dioniso Nyktelios (‘nocturno’) y Afrodita Philopannyx (‘la que ama la noche entera’)
También conocidas como Erinias o Euménides, las Furias nacieron de la Noche, (aunque también se cuenta que surgieron cuando Cronos cortó los testículos a su padre Urano y la sangre del dios cayó sobre la Gea, la madre tierra), y vigilaban la puerta hacia el mundo inferior, castigando a aquellos cuyos crímenes no habían sido expiados en el mundo de los mortales. Trataban así de restablecer el orden perdido. En ocasiones también subían a la superficie y allí perseguían a aquellos que pretendían salir impunes de algún delito.
Las Furias, que en sus orígenes contaban con un número incierto, terminaron siendo tan sólo tres. Sus nombres eran Tisifone, Alecto y Megera y tenían cabeza de perro, alas de vampiro y, en vez de cabellos, serpientes. Para cumplir su misión llevaban consigo látigos de cuero y temibles anillos de bronce.
Tisifone era la encargada de castigar a los osaban traspasar los límites de la buena conducta y era conocida como la Furia Vengadora. Megera se encargaba de hacer nacer el odio, la discordia, entre los mortales. Alecto los perseguía sin descanso hasta conseguir que murieran de locura o que fueran incapaces de volver a cometer un crimen semejante.
Cuentan que cuando Orestes acudió desesperado ante Apolo para conocer el nombre del asesino de su padre, el rey Agamenon, el oráculo le reveló que había sido su propia madre, Climenestra, esposa del rey, la autora de tal delito. Orestes, fuera de si, puso fin a la vida de su madre. Entonces entró la Furia Alecto en escena, atormentado al desgraciado príncipe Orestes por el crimen que había cometido.
Orestes acudió de nuevo a la ayuda de los dioses, siendo esta vez Atenea la elegida, para rogar el fin de su condena. Atenea, la diosa guerrera, consiguió convencer a Alecto de que el hijo de Agamenón ya había pagado con suficiente dolor sus actos y fue perdonado. Ahora bien, Orestes había de traer desde la ciudad de Taúride una estatua que hubiera sido consagrada a Artemisa, hermana de Apolo y diosa de la caza. Desde este momento, las Furias pasan a llamarse Euménides y a ser consideradas como benevolentes, aunque, eso si, siguieron persiguiendo a los criminales.
