“El Estado es la gran ficción a través de la cual todo mundo trata de vivir a expensas del resto.” –Frédéric Bastiat
El presente ensayo tiene por finalidad central el responder a la pregunta “¿Hasta qué punto la política monetaria ha sido un factor de cambio en la desigualdad socioeconómica y cuáles son las implicaciones éticas de esto?” Con dicho objeto, se explorarán los mecanismos y los efectos de la política monetaria, así como sus implicaciones éticas, con enfoque en las éticas aristotélica, utilitarista y kantiana, considerando también la teoría de la justicia de Rawls.
La moneda circulante, comúnmente conocida como dinero, es un medio de intercambio. Los medios de intercambio son bienes económicos, por lo cual les aplican las leyes de oferta y demanda. El valor que la unidad de ésta tiene es en relación a su poder adquisitivo de productos y servicios, que son otros bienes económicos. (Mises 1986, p.601-602) Esto significa que el valor conjunto de la totalidad de la moneda circulante es el valor conjunto de todos los bienes y servicios intercambiables por la moneda circulante.
Por lo anterior, cuando hay un aumento en productividad, es decir, cuando aumenta la oferta de productos y servicios, que es la demanda de dinero, sin que cambie la cantidad de moneda circulante, es decir, la oferta de dinero, entonces aumenta el poder adquisitivo del dinero porque la unidad de éste puede comprar más productos y servicios. Por el contrario, cuando hay un aumento en la oferta de dinero pero no aumenta la productividad, entonces disminuye el poder adquisitivo del dinero y por ende parte del valor unitario, pero ese valor no se destruye, sino que se transfiere a las unidades de moneda circulante recién producidas, a este fenómeno se le conoce como inflación y es en esencia una violación a la propiedad privada.
Bajo un sistema de banca centralizada, que es como opera prácticamente todo el mundo en presente, el Banco Central recibe del gobierno el monopolio sobre la emisión de moneda circulante, pues el gobierno tiene el monopolio sobre el uso de la fuerza. (Rothbard 2008, p.135) Al tener el monopolio sobre la emisión de dinero, también tiene el control sobre la cantidad de éste en circulación, por lo que tiene parcial control sobre el poder adquisitivo. A lo anterior se le conoce como política monetaria.
La política monetaria, entendida como producción de dinero, tiene ganadores y perdedores. Los ganadores son aquellos que disponen del nuevo circulante primero, pues por el efecto Cantillon los precios de los productos y servicios no se han ajustado a la nueva oferta de circulante, y por ende están relativamente baratos. Los perdedores son aquellos que disponen del nuevo circulante al último, pues para cuando llegue a sus manos los precios ya se habrán ajustado. (Hülsmann 2013)
A través del modelo desarrollado por Balac (2008), podemos concluir que la política de inflación monetaria tiene un efecto adverso en la distribución de la riqueza, y que dicho efecto es más pronunciado en las extremidades de la distribución.
La política monetaria incrementa la desigualdad de ingreso y de riqueza porque los primeros en disponer del nuevo circulante son el sector financiero, los contratistas de gobierno y las empresas con subsidios, dado el mecanismo de inyección de liquidez. Los benefactores de la utilidad de las áreas previamente descritas por lo general son aquellos que ya están en el grupo de mayor ingreso y de mayor riqueza. (Hülsmann 2013)
Una prueba tangible de lo anterior es que en Estados Unidos los salarios reales y la productividad dejaron de crecer al mismo ritmo a partir de 1971, cuando se adoptó la política de inflación monetaria. (USBLS 2011) File:US productivity and real wages.jpg
Figura 1. Productividad y remuneraciones reales promedio, 1947-2008. USBLS, 2011.
En cuanto a las implicaciones éticas de todo esto, la ética aristotélica es una cuyo fin último es la felicidad, y cuyos medios de excelencia para alcanzar ese fin último es la virtud. En ese sentido, para Aristóteles, todo gira alrededor de que hay que ser virtuosos para ser felices, y ser felices es nuestro propósito de existir.
“Aunque Aristóteles, en la tradición griega, desdeñaba el ganar dinero y era escasamente un partidario de laissez-faire, expuso un argumento mordaz en favor de la propiedad privada. Quizás influenciado por los argumentos de propiedad privada de Demócrito, Aristóteles lanzó un ataque convincente contra el comunismo de la clase dominante convocado por Platón. Denunció el objetivo de Platón de la perfecta unidad del estado a través del comunismo, señalando que tale unidad extrema corre contra la diversidad de la humanidad y en contra de la ventaja recíproca que todos obtienen a través del intercambio de mercado. Aristóteles entregó un contraste punto por punto de lo privado frente a la propiedad comunal. Primero, la propiedad privada es más productiva y, por lo tanto, conducirá al progreso. Los bienes que una gran cantidad de personas poseen en común recibirán poca atención, ya que las personas consultarán principalmente su propio interés y descuidarán todos los deberes que puedan engañar a otros. En contraste, las personas dedicarán el mayor interés y cuidado a su propiedad.” (Rothbard 1995, p.13)
Lo anterior es de suma relevancia porque se puede ver plasmado hoy en día en los efectos de la política monetaria violatoria de la propiedad privada. La inflación crea incentivos para gastar más en el presente a crédito, pues los precios de los productos y servicios serán más altos en el futuro. (Hülsmann 2013) En términos de los que nos dice el Filósofo, dado que la política monetaria convierte al dinero en propiedad comunal en cierta medida, tiene sentido que lo descuiden y no lo ahorren para el futuro.
“Segundo, uno de los argumentos de Platón a favor de la propiedad comunal es que es propicio para la paz social, ya que nadie envidiará ni intentará apoderarse de la propiedad de otro. Aristóteles replicó que la propiedad comunal llevaría a un conflicto continuo e intenso, ya que cada uno se quejará de que ha trabajado más duro y obtenido menos que otros que han hecho poco y han tomado más de la tienda común.” (Rothbard 1995, p.13)
En lo anterior podemos ver un paralelismo con el caso de la disparidad en el ritmo de crecimiento de la productividad y de los salarios reales, pues vemos que esto es motivo de conflicto entre los empleados que piden salarios más altos y los empleadores que no están en condiciones de pagar salarios más altos.
“Finalmente, Aristóteles entretejió sus teorías económicas y morales al proporcionar la idea brillante de que solo la propiedad privada brinda a las personas la oportunidad de actuar moralmente, por ejemplo, practicar las virtudes de la benevolencia y la filantropía. La compulsión de la propiedad comunal destruiría esa oportunidad.” (Rothbard 1995, p.14)
La ética utilitarista también es una cuyo fin último es la felicidad, pero a diferencia de la ética aristotélica, lo moralmente correcto es maximizar la felicidad colectiva y no la individual o la propia, en ese sentido el fin último varía levemente. Se podría decir que para los utilitaristas la máxima virtud está en las acciones que maximiza la felicidad colectiva, irrespectivamente de cómo afecte al que lleva a cabo la acción.
John Stuart Mill, partidario del utilitarismo, sostiene que “las acciones son justas en la proporción con que tienden a promover la felicidad; e injustas en cuanto tienden a producir lo contrario de la felicidad. Se entiende por felicidad el placer, y la ausencia de dolor; por infelicidad, el dolor y la ausencia de placer.”
Bajo esos criterios se puede calificar el uso de la política monetaria como una acción injusta, pues los efectos de esta dan un saldo neto de infelicidad producida. El factor deteriorante al poder adquisitivo causado por la política monetaria resulta en que una porción relativamente grande de la población tenga que trabajar más horas para tener acceso a las necesidades básicas, en algunos casos no consiguiéndolo; esto produce dolor. Así mismo, otra porción relativamente grande de la población no tiene acceso a lujos que disfrutarían si no fuera por ese mismo efecto de la política monetaria; esto produce ausencia de placer.
Aun si el número de perjudicados fuera igual al número de beneficiados, el saldo neto sería uno de infelicidad y no uno nulo, pues aquella felicidad que le pueda traer a los beneficiados es marginal comparada con la infelicidad que sufren los perjudicados. Esto es porque el valor que obtiene el beneficiado comparado con el que ya posee es una fracción menor a la que pierde el perjudicado de lo suyo, y este proceso tiene un impacto mucho mayor a la calidad de vida del perjudicado que a la del beneficiado.
Mill posteriormente argumenta refiriéndose al trabajador productivo que “siendo más útiles sus servicios, la sociedad le debe pagar más”. La política monetaria actúa directamente en contra de este principio, pues recompensa a los inversionistas ligados al sector financiero de forma que hace rentables aquellas inversiones que no lo serían si la tasa de interés no estuviese artificialmente baja por la inyección de liquidez, pues estas inversiones no son lo suficientemente productivas. Al mismo tiempo perjudica más a aquellos que trabajan en sectores productivos, como se puede ver en la comparación entre los ritmos de crecimiento de la productividad y de los salarios reales.
Mill también declara que como “la protección de la ley y del gobierno se da para todos, y todos la exigen, no hay ninguna injusticia en hacer que todos paguen al mismo precio.” En este caso refiriéndose a la protección de la propiedad privada, este principio es dos veces relevante a la política monetaria, porque por un lado establece que todos habrán de pagar el mismo precio por las funciones del gobierno, cuando la política monetaria termina siendo una carga más pesada para los más pobres, y por el otro establece que la función del gobierno es proteger y garantizar la propiedad privada, cuando la política monetaria es una violación directa a esta.
La ética kantiana sostiene que el fin es el bien en sí. Se basa en que lo único intrínsecamente bueno es una buena voluntad, por tanto una acción solo es buena si su máxima obedece la ley moral. Se podría decir que para los kantianos la única virtud es observar la ley moral en sus propias acciones.
“El dinero entraña poder. Por eso los ladrones que logran acumular un buen botín con sus robos intentan, finalmente, [ponerse a salvo] gracias al dinero y adquirir una salvaguarda ante el castigo; por ejemplo, pueden acceder a la nobleza para no ser colgados tan fácilmente.” (Kant 1988, p.226) Es así como Kant hace advertencia y denuncia un círculo vicioso entre el dinero mal habido y el poder. El caso de la política monetaria aplica en gran proporción a dicho círculo vicioso, excepto por el hecho de que en el caso de la política monetaria el círculo empezó en el poder y no con el dinero.
“Pues si se pudieran justificar el robo, el asesinato y la mentira por mor de la necesidad, el caso de necesidad vendría a sustituir a toda la moralidad, y quedaría a juicio de cada cual estipular qué haya de considerarse como un caso de necesidad y, al no existir un criterio preciso para determinar esto, se tornan inseguras las reglas morales.” (Kant 1988, p. 274) Aquí se puede ver que Kant es muy claro en cuanto a la justificación de las acciones. Una acción es justa únicamente cuando es buena, y es buena únicamente cuando es moral. La política monetaria, aunque se trate de justificar públicamente por ser supuestamente necesaria, no deja de violar la ley moral, irrespectivamente de sus efectos y sean deseados o no.
La Teoría de la Justicia de Rawls, como la ética kantiana, hace especial hincapié en los principios bajo los cuales se llevan a cabo las acciones y no tanto los fines de las mismas. En este sentido se puede decir que los principios se convierten en el fin último, y observarlos en la única virtud.
“Las desigualdades sociales y económicas deben organizarse de modo que sean: para el mayor beneficio de los menos favorecidos, coherentes con el principio de ahorro justo, y asociadas a oficinas y posiciones abiertas a todos en condiciones de igualdad equitativa de oportunidad.” (Rawls, 1971) La política monetaria desobedece a los tres principios que Rawls establece para las acciones que tienen efecto sobre la organización de las desigualdades sociales y económicas.
La única forma en la que una desigualdad sea de beneficio para los menos favorecidos es si a través de esta todos disfrutan de una mayor calidad de vida, como es con un aumento en la productividad; la política monetaria da una mejor calidad de vida a los beneficiados a expensas de los perjudicados. Con el principio de ahorro justo Rawls se refiere literalmente a que las instituciones tienen una obligación de ahorrar para disfrute de las siguientes generaciones, la única manera de transmitir valor de una generación a otra es a través del aumento en productividad que se da por la innovación tecnológica que solo se logra con incentivos reales de mercado; la política monetaria actúa directamente en contra de este principio dado que produce incentivos artificiales que interfieren con los reales. La política monetaria también viola el principio de igualdad equitativa de oportunidad dado que para ser beneficiado por esta se tiene que poseer altas cantidades de capital en un principio.
En conclusión, la política monetaria es un factor de alto impacto en la desigualdad socioeconómica, con mayor efecto en los extremos de la distribución; por su naturaleza y mecanismo aumenta la desigualdad socioeconómica, ya sea de ingreso o de riqueza. Las implicaciones éticas son muy claras y existe un consenso entre las corrientes consultadas. Bajo la ética aristotélica, distorsiona las condiciones por las cuales las personas pueden actuar moralmente. Bajo la ética utilitarista, es injusta porque causa infelicidad neta. Bajo la ética kantiana, es inmoral porque es robo. Bajo la Teoría de la justicia de Rawls, es indefendible porque flagrantemente viola principios que la teoría establece. La política monetaria es injusta e inmoral por su intención, por su mecanismo y por su efecto.
Bibliografía
Balac, Z. (2008). Monetary Inflation’s Effect on Wealth Inequality: An Austrian Analysis. Estados Unidos: The Quarterly Journal of Austrian Economics.
Bastiat, F. (1848). El Estado. Francia: Diario de Debates.
Hülsmann, J. G. (2013). Fiat Money and the Distribution of Incomes and Wealth. Francia: Université d’Angers
Kant, I. (1988). Lecciones de ética. España: Editorial Crítica
Mill, J. S. (2014). El Utilitarismo. España: Alianza Editorial.
Mises, L. V. (1986). La Acción Humana. España: Unión Editorial.
Rawls, J. (1971). Teoría de la justicia. Estados Unidos: Harvard University Press.
Rothbard, M. N. (2008). El misterio de la banca. Estados Unidos: Mises Institute.
Rothbard, M. N. (1995). Pensamiento económico antes de Adam Smith. Estados Unidos: Mises Institute.
US Bureau of Labor Statistics. (2011). Estadísticas generales. Estados Unidos: Departamento de Comercio.
La Muñeca Autor: Vital Aza
En una noche de Enero una niña pordiosera, con los pies casi desnudos, con las manecitas yertas, cubriendo, a modo de manto, con su falda la cabeza, y sin temor a la lluvia que más cada vez arrecia, contempla, extasiada y triste el interior de una tienda, que por su gusto en juguetes es en Madrid la primera.
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–¿Qué haces aquí? le pregunta, con voz desabrida y seca, un dependiente, empujando a la niña hasta la acera. –¡Déjeme usted! ¡Si es que estaba mirando aquella muñeca! –¡Vaya! Retírate pronto y deja libre la puerta.
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Marchose la pobre niña ocultando su tristeza… en vano pide limosna… ninguno escucha sus quejas… Y desfallecida y débil, cruza calles y plazuelas recordando en su amargura la tentadora muñeca…
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–¡Caballero, una limosna a esta pobrecita huérfana! –¡Déjame, que voy de prisa! –¡Por Dios, señor! Aunque sea un centimito… ¡Tengo hambre!… –(¡Pobre niña! ¡Me da pena!) Toma.
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–¡Señor! ¡Si es un duro! –Te lo doy para que puedas, siquiera por esta noche, tener buena cama y cena. –¡Déjeme usted que le bese la mano!
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–Quita, tontuela. –¡Que Dios se lo pague a usted! ¡Un duro!… ¡Estoy muy contenta!… ¿No será falso, verdad? –¡Cómo muchacha! ¿Tú piensas?… –No, señor… perdone usted… Pero… ¡vamos!… la sorpresa… ¡Si voy a volverme loca de alegría!… ¡Quién dijera! ¡Que Dios le premie en el mundo y le dé la gloria eterna!
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Y apretando entre sus manos convulsivas la moneda, corrió por la calle abajo veloz como una saeta.
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A la mañana siguiente se comentaba en la prensa el hecho de haberse hallado en el quicio de una puerta, ¡el cadáver de una niña abrazado a una muñeca!
Pederastia en España ¿Pacto de silencio?…
Se trata el tema de la pederastia en «El Caso Kote Cabezudo».
Caso que los grandes medios de comunicación parecen que evitan, ya que estarían implicados personajes muy relevantes de la política española, justicia, empresarios, medios de comunicación.
EL RETORNO DEL BOZAL
La policia en en España sigue utilizando el maltrato y los métodos represivos contra la ciudadanía
ESTUPIDEZ GENERALIZADA
Un equipo de investigadores estadounidenses ha demostrado que ni las pantallas faciales ni las mascarillas N95 con válvula sirven para evitar la propagación de la covid-19, por lo que, advierten, su uso generalizado por parte del público podría tener efectos adversos en los esfuerzos por frenar la expansión de la pandemia.
El estudio, que pretende demostrar la escasa utilidad de las pantallas y las mascarillas con válvula (las famosas “mascarillas egoístas”), ha sido realizado en un laboratorio por investigadores de la Facultad de Ingeniería y Ciencias Informáticas de la Universidad Atlántica de Florida (FAU), y se publica hoy, martes, en la revista Physics of Fluids.
Para hacer la demostración, los científicos emplearon iluminación con láser y una mezcla de agua destilada y glicerina para generar la niebla sintética que recreaba las gotas en aerosol que se exhalan al toser o estornudar.
Los resultados del estudio demostraron que, aunque las pantallas faciales bloquean el avance inicial del chorro, las gotas expulsadas se mueven alrededor del visor con relativa facilidad y se extienden por una gran área según sean las condiciones ambientales.
Por su parte, las simulaciones con mascarilla facial equipadas con una válvula de exhalación demostraron que un gran número de gotitas sin filtrar atravesaba mascarilla, reduciendo considerablemente su eficacia como medio de control del virus.
“Pudimos observar que las pantallas faciales son capaces de bloquear el movimiento inicial de avance del chorro exhalado, sin embargo, las gotitas en aerosol expulsadas con el chorro se podían mover alrededor del visor con relativa facilidad”, advierte Manhar Dhanak, director de SeaTech y coautor el estudio.
“Con el tiempo, estas gotitas pueden dispersarse en una amplia zona en dirección lateral y longitudinal, aunque con una concentración de gotitas cada vez menor”, agrega.
En Estados Unidos “estamos viendo una tendencia creciente a que las personas sustituyan las máscaras de tela o las quirúrgicas normales por pantallas de plástico transparente o mascarillas con válvulas de exhalación”, advierte Siddhartha Verma, autor principal y profesor del Departamento de Ingeniería Oceánica y Mecánica de la FAU.
“Sin embargo, las pantallas faciales tienen espacios notables a lo largo de la parte inferior y los lados, mientras que las mascarillas con válvulas restringen el flujo de aire cuando se inspira, pero permiten la salida libre de aire”, lamenta Verma.
El objetivo del gobierno es enfermar a la población
DICTADURA MUNDIAL
Riesgos del uso de las mascarillas
1.- HIPOXIA 2.- HIPERCAPNIA Esto puede provocar envenenamiento en el flujo sanguíneo, así como alteraciones físicas y mentales. Agravan enfermedades cardiacas, respiratorias y dermatológicas sobrevenidas y previas. De especial gravedad para personas con VALVUPATIAS, asma, bronquitis, EPOC y otras afecciones pulmonares UNIVERSIDAD MUNICH DRA. BUTZ DRA NITZAN Coordinadora Sanitaria de OMS Profesor OUSEY, Universidad HUDDERSFIELD UK EUROPEAN CENTER OF PREVENTIONS AND CONTROL
Posible causa de cáncer Según ha podido demostrar el Prof.- Stefano Montario las mascarillas incuban cáncer. El vapor que emitimos moja las mascarillas creando un cultivo agradable para virus, bacterias, hongos, parásitos que están en el aire y se pegan a las mascarillas. Lo respiramos y lo vamos pasando por todos lados. También entran por nariz y boca. El anhídrido carbónico que soltamos al respirar vuelve a entrar en los pulmones, en la sangre, alimentando a las células con desecho, en lugar de oxígeno, y produce una saturación de anhídrido carbónico en la sangre ( hipercapnia) Por esta saturación se empieza a producir acidosis que es lo ideal para incubar el cáncer. A esto hay que añadir el estrés al que se somete al cuerpo que está demostrado que es un detonador del cáncer. El uso extendido de las mascarillas por parte de personas sanas dentro de una misma comunidad no está avalado por la evidencia científica actual“, reza el documento con las recomendaciones sanitarias de la propia OMS. La Organización Mundial de la Salud (OMS) publicó un informe titulado Consejos sobre el uso de mascarillas en el contexto de COVID-19. Se trata de un documento en el que la organización internacional se reafirma en desaconsejar el uso de la mascarilla entre personas sanas. La publicación de este informe se produce después de que dentro de la organización se produjera un debate sobre la conveniencia o no de esta medida. Un debate que se ha alimentado con la decisión de la región italiana de Lombardía que exige su uso y multa hasta con 400 euros a quien no lleve máscara o una prenda que cubra su boca. A este debate se sumó España cuando Fernando Simón anunció el sábado pasado la posibilidad de que el uso de mascarillas sea generalizado tras levantarse la fase de confinamiento contra el supuesto coronatimo.
Por último, la SOBRE PROTECCIÓN Y MEDIDAS DESPROPORCIONADAS pueden conducir a unos resultados mucho más nocivos que beneficiosos y que acarrean daños colaterales e indirectos que repercuten en la salud física y mental de toda la comunidad. Por si esto no fuese suficiente exigían un “certificado médico” que te eximiese de ese suicidio, vulnerando el Derecho a la Intimidad y el que no lo entregaba corría el peligro de ser detenido y apaleado, en muchas ocasiones, por esa policía.
La brutalidad de la Policía estaba a la orden del día y hay innumerables videos en Youtube y todo con el beneplácito de jueces y fiscales politizados y que despreciaban y desprecian la Constitución y los Derechos Humanos. El 20 de junio dió por terminada esta cuarentena donde se habían vulnerado todos los Derechos Constitucionales, se había cometido un inmenso genocidio y habían condenado a un país a una deuda perpetua de la que unos cuantos se iban a beneficiar. No se sabe si realmente ha habido muertos por el Covid19, todo apunta a que han jugado con las cifras. De hecho, no se realizaron autopsias y los famosos test, como ya sabemos, no sirven para detectar carga vírica y mucho menos para diferenciar un supuesto coronavirus de otro. Dr. Kary Mullis, Bioquímico, inventor de la técnica de reacción en cadena polimerasa PCR para establecer test genéticos, por lo que se le otorgó el Premio Nobel de Química en 1993. Esta técnica ahora se usa mundialmente para medir la carga viral. Mullis ha denunciado que la PCR no sirve para contar virus (Revista Éxodo nº84) Que se sepa nunca se ha aislado, purificado, secuenciado, medido ni micro grafiado este ya tristemente famoso virus, pero eso sí, los ciudadanos, gracias a las televisiones, han generado un Síndrome de Estocolmo tan perfecto que lo que anunció en marzo el presidente del Gobierno, “la nueva normalidad”, la han aceptado con absoluta sumisión. El 9 de junio el Gobierno hace público un nuevo Decreto Ley, comúnmente conocido como el Decreto de la Nueva Normalidad, ahora se hace otra vez obligatorio el uso de las mascarillas y el distanciamiento social hasta que aparezca una vacuna que mate mas rápido… España es un país caluroso, las mascarillas son obligatorias desde los seis años, y todos los trabajadores deben hacer uso de ellas.
Medidas de prevención e higiene ¿? Artículo 6. Uso obligatorio de mascarillas. 1. Las personas de seis años en adelante quedan obligadas al uso de mascarillas en los siguientes supuestos: a) En la vía pública, en espacios al aire libre y en cualquier espacio cerrado de uso público o que se encuentre abierto al público, siempre que no resulte posible garantizar el mantenimiento de una distancia de seguridad interpersonal de, al menos, 1,5 metros. b) En los medios de transporte aéreo, marítimo, en autobús, o por ferrocarril, así como en los transportes públicos y privados complementarios de viajeros en vehículos de hasta nueve plazas, incluido el conductor, si los ocupantes de los vehículos de turismo no conviven en el mismo domicilio. En el caso de los pasajeros de buques y embarcaciones, no será necesario el uso de mascarillas cuando se encuentren dentro de su camarote o en sus cubiertas o espacios exteriores cuando resulte posible garantizar el mantenimiento de una distancia de seguridad interpersonal de, al menos, 1,5 metros. Esta distancia de 1,5 metros se la ha inventado el Gobierno, ya que la OMS habla de un metro. 2. La obligación contenida en el apartado anterior no será exigible para las personas que presenten algún tipo de enfermedad o dificultad respiratoria que pueda verse agravada por el uso de la mascarilla o que, por su situación de discapacidad o dependencia, no dispongan de autonomía para quitarse la mascarilla, o bien presenten alteraciones de conducta que hagan inviable su utilización. Tampoco será exigible en el caso de ejercicio de deporte individual al aire libre, ni en los supuestos de fuerza mayor o situación de necesidad o cuando, por la propia naturaleza de las actividades, el uso de la mascarilla resulte incompatible, con arreglo a las indicaciones de las autoridades sanitarias. 3. La venta unitaria de mascarillas quirúrgicas que no estén empaquetadas individualmente sólo se podrá realizar en las oficinas de farmacia garantizando unas condiciones de higiene adecuadas que salvaguarden la calidad del producto.
Demencial
El Covid no existe, todo es producto de las ondas 5-G
Hay evidencia de que al menos 490.000 niños sufrieron parálisis en la India por las vacunas de Bill Gates, pero nuevamente, en lugar de que este hombre sea arrestado y evitado que cause más daño, el 10 de noviembre de 2020 se nos dice que Boris Johnson tuvo una reunión con Gates desplegar estas mismas vacunas letales no registradas sin licencia ILEGALES Mortales y forzarlas al público británico en los próximos 10 días.
#Yonomevacuno súmate a la iniciativa y comparte esto con tus amigos para que más personas se rehúsen a recibir la vacuna letal.
Ahora que lo sabes, ¿vas a seguir creyendo lo que te dicen los medios y las tvs. comprados con el dinero de los contribuyentes y manipulados por gobiernos títeres de las Grandes multinacionales?…
Hay quien vive la Navidad con ilusiones intactas, en familia y a gusto. Pero también quien no puede por la crisis, la pobreza, las ausencias, las incómodas presencias o porque sí. Como a otros les deprimen los inviernos, los fluorescentes o las fuentes vacías, al anti-navideño le entra claustrofobia ante obligadas alegrías. Pero tiene solución: cambiar la perspectiva. «¿Cuándo vendrás?… No lo sé. Mejor tres días. Cae mal. Inténtalo ». Y así, hasta que llega la cita. «No entras en casa», protestará la familia. «No sales», dirán los amigos. Por eso, a veces, llegamos clandestinos. Que levante el dedo quien no ha entrado furtivo para darse tiempo, ver su mar o comprar un dulce de alfajor, sin pasar antes por casa.
No es desprecio, sino aprecio por lo propio. Solo así, y entonces, volvemos. Vivir fuera te cambia. Ya no es una cita con el espumillón, las luces y el día de la Tomasa. Sino la ilusión por recuperar el tiempo perdido. Puede transformar, incluso, a quien odia la Navidad. Como a José. Siempre le pareció, como decían en Armageddon, «lo más horrible imaginable». Recordemos la del año pasado. Empezó con la cena de empresa. Menú inadecuado, sentado junto al trepa, el tonto de turno haciendo gracias, otro midiendo mal las copas delante del jefe Antes del karaoke ya se había ido. Al día siguiente compró luces para el árbol. Imposible desenredar las del año anterior. Pero lo peor estaba por llegar. La Nochebuena. Villancicos a todo volumen y familia fuera de sí. La tía Marga diciendo que son las nueve y que ella cena a las ocho. El cuñado con una trompa de elefante africano y sobrado. Que si vaya langostinos tan pequeños, que dónde está el champán…
La suegra, que ese día cree que puede darle al Gaitero, pillando punto llorón al primer sorbo. Su mujer diciéndole «no la líes, cambia de cara y olvida eso de irte a la cama el primero». La hermana, exhibiendo morro y amenazando lágrima. Antes de los entremeses, como siempre, preguntó por qué no cantaban. Mientras, su marido cambiaba los canales de la TDT. La madre que les parió a él y a sus hijas. Habían ido a ver a Santa-clown vestidas de princesas. Pobre empleado barato. Les pegaba más ir de Barby. O de Shrek. Sus hijos le daban a la pandereta. ¿Alguien la toca bien? El vecino tiraba petardos. Pena que no le explotaron en la jeta. Al abuelo, del susto, se le salió la dentadura. La tía Marga comía jamón entre murmullos. Una sobrinita, ‘la niña de Shrek’, derramó el caldo sobre la abuela. Entre el turrón y la compota, escapó con la excusa de sacar a Lagun. Solo por eso, merecía la pena tener perro. Así era la Navidad para José. Pero, desde que vive en Londres, ha cambiado. Ahora tiene otras citas. Nada más llegar pasea por las Calles,. Saludar a un viejo amigo, un tal Rivero Algunos, con la familia. Otros, con los amigos. Fuera de casa, todo es más llevadero. Antes, se sienta en un rincón de la calle y respira hondo. A veces una reunión de amigos, una escapada en pareja o una mañana en el monte con los niños pueden convertirse en una buena cita navideña.
Una alternativa a lo oficial. Se acerca Nochevieja. Busquemos escapes y cojamos aire. Porque las navidades son como las luces del árbol. Mejor no intentar desenredarlas. Pero , existe otra Navidad. Claudio viene a la farmacia día sí, día no. Cada vez, coge un medicamento, espera su turno pacientemente, da los buenos días a todos y te cuenta un chiste a la vez que le atiendes. Le gusta venir a vernos y contarnos cosillas. Está viudo y sus hijos no están… ¿Cómo crees que será su Navidad? María hace 8 años que está en la residencia, tiene Alzheimer. Su marido la cuidaba en casa hasta que la situación se hizo insostenible. Él va a verla todos los días, un par de horas por la mañana y otro par de horas por la tarde. No puede sacarla de allí, pues cualquier cambio de entorno empeoraría su enfermedad… ¿te imaginas cómo pasarán las Navidades? Jorge tiene 5 años, desde hace dos meses está ingresado en el hospital para tratar un tumor. Es un niño alegre, disfruta de los juegos que le hacen, se ilusiona con cada detalle que le llevan… ¡es todo vida en él! Debido al tratamiento y el riesgo de infecciones no podrá salir del hospital en estos días… ¿sabes cómo serán sus Navidades?… Pero, ¿has pensado en esos millones que mueren de hambre a diario, y también en Navidad?…
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Una alternativa a lo oficial. Se acerca Nochevieja. Busquemos escapes y cojamos aire. Porque las navidades son como las luces del árbol. Mejor no intentar desenredarlas. Pero , existe otra Navidad. Claudio viene a la farmacia día sí, día no. Cada vez, coge un medicamento, espera su turno pacientemente, da los buenos días a todos y te cuenta un chiste a la vez que le atiendes. Le gusta venir a vernos y contarnos cosillas. Está viudo y sus hijos no están… ¿Cómo crees que será su Navidad? María hace 8 años que está en la residencia, tiene Alzheimer. Su marido la cuidaba en casa hasta que la situación se hizo insostenible. Él va a verla todos los días, un par de horas por la mañana y otro par de horas por la tarde. No puede sacarla de allí, pues cualquier cambio de entorno empeoraría su enfermedad… ¿te imaginas cómo pasarán las Navidades? Jorge tiene 5 años, desde hace dos meses está ingresado en el hospital para tratar un tumor. Es un niño alegre, disfruta de los juegos que le hacen, se ilusiona con cada detalle que le llevan… ¡es todo vida en él! Debido al tratamiento y el riesgo de infecciones no podrá salir del hospital en estos días… ¿sabes cómo serán sus Navidades?… Pero, ¿has pensado en esos millones que mueren de hambre a diario, y también en Navidad?…
Símbolos Satánicos-Paganos del Catolicismo
LOS SATÁNICOS CELEBRAN LA LLEGAD DE BAPHONET EN EL CAPITOLIO DE LOS EE UU
Los Legionarios de Cristo admiten que su fundador, Marcial Maciel, violó a más de sesenta menores durante décadas
Solo se salvó el «niño y un camello»…
Ha sido el mayor depredador en la Iglesia católica. Y el más poderoso. Marcial Maciel Degollado, fundador de los Legionarios de Cristo, violó a más de 60 menores, niños y niñas, durante varias décadas. Muchos de ellos, después, se convirtieron en sacerdotes, que a su vez abusaron de otros menores, en una espiral de pederastia y ocultamiento que se prolongó durante ocho décadas.
Así lo ha reconocido la propia Congregación, en un informe oficial, que ofrece una cifra escalofriante. Desde 1941 a la actualidad, 175 menores de edad fueron víctimas de abusos sexuales, cometidos por un total de 33 sacerdotes de la congregación. Once de ellos pasaron de ser violados por Maciel a convertirse en abusadores.
Más de dos tercios de estos abusos fueron cometidos «por Maciel, por una de sus víctimas o por una víctima de sus víctimas», lo que demuestra que la pederastia se arraigó entre los Legionarios durante generaciones.
Una cadena de abusos
Un total de 11 víctimas de Maciel se ordenaron sacerdotes legionarios, y acabaron convirtiéndose en abusadores, que a su vez violaron a decenas de menores. «Hoy por hoy, ninguno de los 11 sacerdotes involucrados en esta cadena ejerce públicamente el ministerio sacerdotal en la Congregación. Tres de ellos han fallecido», admite el estudio. Todo ello, con el silencio, cuando no la cerrada defensa, de la curia vaticana.
El informe se conoce el mismo día en que el cardenal Angelo Sodano, a sus 92 años, ha dimitido como decano del Colegio cardenalicio. Un Sodano que durante sus años como secretario de Estado de Juan Pablo II, protegió a Maciel (Wojtyla denominó al depredador ‘guía eficaz de la juventud’) ‘y a su cohorte de pederastas. Sólo la actuación de Benedicto XVI, que condenó al religioso a una vida de oración y promovió la reconstrucción de la orden, puso coto a los abusos. Pero hasta ahora, con Francisco, no se ha reconocido la magnitud de la tragedia.
¡Los símbolos Illuminati en los videos musicales!
18 curas siguen en la congregación
Los 33 sacerdotes representan el 2,44% de los 1.353 legionarios ordenados a lo largo de la historia de la Congregación, admite el informe, que añade que de ellos seis han fallecido, ocho dejaron el sacerdocio, otro dejó la orden y 18 siguen en la Congregación. Todos ellos, con las nuevas normas implantadas por Francisco, han sido apartados del trato pastoral con menores, mientras cuatro de ellos tienen restricciones al ministerio sacerdotal (y un plan de seguridad), y los otros 14 no pueden ejercer el sacerdocio en público.
El es el camino, la verdad y la vida;“nadie puede llegar al Padre si no es por medio de el” Juan 14:6
Conoceréis la verdad, y la verdad os hará libres, Juan 8:31-38
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Quis custodiet ipsos custodes? La farsa de las Religiones mediante la deshumanización de las personas las comvierten en borregos del Sistema. Superduque
„Es detestable esa avaricia espiritual que tienen los que sabiendo algo, no procuran la transmisión de esos conocimientos.“ Miguel de Unamuno
Profecías de Juan de Jerusalén
Muy poco nos cuenta la historia de este enigmático personaje. Sabemos que nació en las cercanías de la población de Vézelay, en la región francesa de la Borgoña, en 1042 y falleció en el año 1119 a los 77 años de edad. Juan de Jerusalén, también conocido como Jean de Vézelay, iniciado en las artes astrológicas, alquímicas y esotéricas, sobre el año 1099, durante su estancia en Jerusalén, mantuvo constantes encuentros secretos con grandes ocultistas e iniciados, místicos y cabalistas; tanto hebreos como musulmanes. Juan de Jerusalén visitó Jerusalén en 1099, donde se encontró con rabinos, sabios musulmanes, iniciados, místicos y cabalistas, astrólogos y adivinos.
Su libro de profecías estuvo oculto hasta la Segunda Guerra Mundial, en que fue hallado por la SS, en una sinagoga de Varsovia, para desaparecer nuevamente luego de la caída de los nazis. Para redescubrirse recientemente en los archivos secretos de la KGB. Sus profecías nos llevan al año dos mil, poseen una belleza poética, y hacen referencia a otros textos proféticos.
Espíritu sin nombre, indefinible esencia, yo vivo con la vida sin formas de la idea.
Yo nado en el vacío del sol, tiemblo en la hoguera, palpito entre las sombras y floto con las nieblas.
Yo soy el fleco de oro de la lejana estrella, yo soy de la alta luna la luz tibia y serena.
Yo soy la ardiente nube que en el ocaso ondea, yo soy del astro errante la luminosa estela.
Yo soy nieve en las cumbres, soy fuego en las arenas, azul hondo en los mares y espuma en las riberas.
En el laúd soy nota, perfume en la violeta, fugaz llama en las tumbas y en las ruinas yedra.
Yo atrueno en el torrente y silbo en la centella y ciego en el relámpago y rujo en la tormenta.
Yo río en los alcores, susurro en la alta hierba, suspiro en la onda pura y lloro en la hoja seca.
Yo ondulo con los átomos del humo que se eleva y al cielo lento sube en espiral inmensa.
Yo en los dorados hilos que los insectos cuelgan me agito entre los árboles en la ardorosa siesta.
Yo corro tras las ninfas que en la corriente fresca del cristalino arroyo desnudas juguetean.
Yo en bosques de corales que alfombran blancas perlas, persigo en el océano las náyades ligeras.
Yo en las cavernas cóncavas donde el sol nunca penetra, mezclándome a los gnomos contemplo sus riquezas.
Yo busco de los siglos las ya borradas huellas y sé de esos imperios de que ni el nombre queda.
Yo sigo en raudo vértigo los mundos que voltean, y mi pupila abarca la creación entera.
Yo sé de esas regiones a donde el rumor no llega, y donde informes astros de vida un soplo esperan.
Yo soy sobre el abismo el puente que atraviesa, yo soy la ignota escala que el cielo une a la tierra.
Yo soy el invisible anillo que sujeta el mundo de la forma al mundo de la idea.
Yo en fin soy ese espíritu, desconocida esencia, perfume misterioso del que es vaso el poeta.
«Patterns»
Simon & Garfunkel
The night sets softly With the hush of falling leaves, Casting shivering shadows On the houses through the trees, And the light from a street lamp Paints a pattern on my wall, Like the pieces of a puzzle Or a child’s uneven scrawl.
Up a narrow flight of stairs In a narrow little room, As I lie upon my bed In the early evening gloom. Impaled on my wall My eyes can dimly see The pattern of my life And the puzzle that is me.
From the moment of my birth To the instant of my death, There are patterns I must follow Just as I must breathe each breath. Like a rat in a maze The path before me lies, And the pattern never alters Until the rat dies.
And the pattern still remains On the wall where darkness fell, And it’s fitting that it should, For in darkness I must dwell. Like the color of my skin, Or the day that I grow old, My life is made of patterns That can scarcely be controlled.
La Torah comienza….”en el principio…..” Bereshit, y ya, desde ahí mismo,… nos encontramos con el Mesías. Bereshit no habla del origen de todas las cosas. El origen del universo, el origen de la vida, el origen del hombre, el origen de la sociedad humana, el origen del pecado, el origen de la maldición, el origen de la muerte, el origen del plan de redención, el origen del nacimiento de la nación de Israel, y el origen de la promesa de redención para todos los hombres y mujeres de la tierra.
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María del Carmen García Galisteo, conocida artísticamente como Carmen Sevilla (Sevilla, 16 de octubre de 1930), es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española.
Arte, gracia, todo un derroche de clase, simpatía y una belleza andante como pocas hubo en el planeta.
Como bailarina
Carmen Sevilla inició su carrera artística como bailarina en 1942 cuando sólo contaba con doce años, gracias a la que pasó a ser su madrina artística, la cantante y actriz Estrellita Castro, quien se fijó en ella cuando la jovencita Carmelilla fue al Teatro Calderón de Madrid a hacerle entrega de unas letras escritas por su padre. Fue entonces cuando pasó a formar parte de los espectáculos de Estrellita.
Uno de sus primeros trabajos fue en el espectáculo Rapsodia de España, del Marqués de Montemar, junto a Charo León y Ana Esmeralda. Posteriormente se unió a este elenco la también sevillana Paquita Rico como cancionetista. De ahí pasó a las Compañías del Príncipe Gitano y de Paco Reyes.
Posteriormente Carmen siempre ha bailado en todas sus películas y espectáculos una vez centrada su carrera en la de actriz y cantante.
En el año 2005, a la edad de setenta y cinco años, Carmen Sevilla pasó a formar parte del elenco de famosos concursantes del programa ¡Mira quién baila!, de TVE, donde se la pudo ver bailando distintos estilos, incluso se atrevió con un rap.
Como actriz de cine, Años 1940 Sus primeras apariciones en la gran pantalla tuvieron lugar en 1946 gracias a su breve aparición en el documental Hombres ibéricos de Domingo Viladomat y en 1947 el realizador Juan de Orduña le dio la oportunidad de debutar con un breve papel en el largometraje Serenata española. En 1948 consiguió su primer papel protagonista en Jalisco canta en Sevilla, donde compartió créditos con Jorge Negrete.
Años 1950
Una de sus películas más emblemáticas la protagonizó en 1952 junto al popular Luis Mariano, Violetas Imperiales, y con quien repetiría en la gran pantalla en títulos como El sueño de Andalucía y La bella de Cádiz.
Ha sido protagonista también durante esta década de películas como Cuentos de la Alhambra (1950), de Florián Rey, La hermana San Sulpicio (1952), de Luis Lucia, Violetas imperiales (1952), de Richard Pottier, Gitana tenías que ser (1953), La pícara molinera (1954), de León Klimovsky, La fierecilla domada (1955), de Antonio Román, La venganza (1957), de Juan Antonio Bardem (primera película española candidata al Premio Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa), Los amantes del desierto (coproducción ambientada en Egipto y coprotagonizada por Ricardo Montalbán) y Pan, amor y Andalucía (1958), de Javier Setó.
Años 1960
En 1962 se estrenó la película El balcón de la luna donde se unieron por primera vez para trabajar juntas en un largometraje Carmen Sevilla, Lola Flores y Paquita Rico, ambas también actrices y cantantes populares del momento y a las que bautizaron con el sobrenombre de «Las mi almas» o «Las tres Marías».
Carmen Sevilla fue una actriz española pionera en participar en coproducciones americanas y europeas, que le permitieron dar la réplica a estrellas de Hollywood como Paulette Goddard, Jeffrey Hunter y Charlton Heston, y a los italianos Vittorio De Sica y Raf Vallone. Ella misma pudo convertirse en una gran estrella, pues rechazó un contrato de siete años con un gran estudio de Hollywood, prefiriendo centrar su carrera en España. Lo que no le impidió dar el salto al cine anglosajón al interpretar Rey de reyes (1961) de Nicholas Ray, rodada en España, donde encarnó a María Magdalena.
En la década de los sesenta interpretó películas destacadas como Buscando a Mónica de José María Forqué (1962), Crucero de verano de Luis Lucia (1964), Camino del Rocío de Rafael Gil (1966), Enseñar a un sinvergüenza de Agustín Navarro (1969) o La guerrillera de Villa de Miguel Morayta (1969).
Años 1970
Carmen Sevilla en 1979
A partir de esta década intentó relanzar una carrera cinematográfica que comenzaba a languidecer y adoptó un nuevo registro, con papeles más dramáticos y una estética pseudoerótica, habitual en la época,11? que la llevó a protagonizar títulos como Un adulterio decente (1971), de Rafael Gil, La cera virgen (1972), de José María Forqué, No es bueno que el hombre esté solo (1972), de Pedro Olea, La loba y la paloma (1973), de Gonzalo Suárez, La semana del asesino (1973), de Eloy de la Iglesia o Nosotros los decentes (1976), de Mariano Ozores.
De esta década cabe destacar su participación en El techo de cristal (1971), de Eloy de la Iglesia, por la que obtuvo el premio a mejor actriz del Círculo de Escritores Cinematográficos. También el 1 de julio de 1971 protagonizó en Argentina, Embrujo de Amor junto al recordado y fallecido Sandro (Roberto Sánchez, ídolo de América) Protagonizó además Marco Antonio y Cleopatra (1972) junto a Charlton Heston.
La etapa del destape en el cine español, unida al cambio de gustos en el público durante la Transición, supuso para Carmen Sevilla una menor actividad artística, como a casi todas las estrellas folclóricas antes en boga. En 1978 rodó su última película: Rostros.
Como cantante
Fue a mediados de la década de los cuarenta en el Teatro Cómico de Barcelona y gracias a la iniciativa de su madrina, Estrellita Castro, cuando Carmen se inicia en la canción por deseo expreso de la mencionada artista que, con su gracia andaluza, llegó a decir a Carmen «niña tú dedícate al cante y no al baile pues el cante deja más dinero». La propia Estrellita Castro la presentó como futura estrella de la canción en uno de sus espectáculos donde ya Carmen trabajaba como bailarina.
No obstante, fue en la década de los cincuenta cuando empezó a consolidarse como cantante gracias a las canciones que interpretaba en sus películas.
En la década de los sesenta, se afianzó en el mundo de la canción y durante este boom, lanzó al mercado más de 15 discos incluyendo coplas, boleros, tangos o chotis.
En la Navidad de 1965 fue invitada para actuar en el programa El Show de Ed Sullivan donde se dio a conocer por primera vez en la televisión norteamericana.
A principios de los setenta mantuvo su carrera discográfica hasta 1973 que grabó su último disco (en directo).
Entre sus canciones destacan Carmen de España, Cariño Trianero, Cabecita loca, Cera Virgen, Noches de Madrid, Violetas imperiales, Ay flores de España, Romance de la otra, Eres diferente, Embustero, entre otros títulos, muchas de ellas compuestas por el que fue su marido, el músico Augusto Algueró.
A finales de los setenta y principios de los ochenta participó en los que serían sus últimos trabajos como cantante. Unos de ellos fueron los espectáculos musicales llevados a cabo por Lola Flores junto a su hija Lolita Flores y su hermana, Carmen Flores bajo los títulos El Concierto de las Flores y una flor más y La saga de las Flores que se llevaron a cabo tanto por España como por América Latina. También en los ochenta cantó en otros espectáculos junto a María Jiménez y Concha Márquez Piquer.
Como presentadora en televisión
Desde la llegada a España de la televisión en 1956, se convirtió en uno de los rostros más populares de la pequeña pantalla gracias a sus continuas apariciones en el nuevo medio principalmente como cantante. Desde entonces y hasta su última aparición pública en 2011, Carmen acudió como invitada a numerosos espacios televisivos en los que fue entrevistada en algunos y en otros concursaba, cantaba y bailaba.
No obstante fue en 1991 a la edad de sesenta años cuando inició la que se ha convertido en su última etapa profesional, en esta ocasión como presentadora de televisión. Llegó a presentar múltiples programas de televisión de diversas temáticas, así como galas y especiales.
Telecinco (1991-1997)
Fue Valerio Lazarov, entonces director de la recién creada cadena de televisión Telecinco, quien la convenció para ponerse de nuevo ante una cámara, en esta ocasión como presentadora del espacio diario Telecupón para sustituir a Belén Rueda y en el que estuvo al frente desde finales de 1991 hasta 1997. En este espacio, donde diariamente tenía lugar el sorteo de la ONCE, Carmen condujo concursos como El Juego del Zodiaco o el del popular videojuego, el primero interactivo en televisión, protagonizado por el personaje Hugo, doblado por José Carabias. También daba paso a actuaciones musicales y entrevistas a personajes famosos o actores de la cadena, labores que compartió junto al presentador Agustín Bravo quien abandonó el formato en 1995.
Su espontaneidad y naturalidad, unidas a los continuos despistes y errores ante la cámara en directo en los que reaccionaba con su naturalidad habitual, hicieron que su popularidad alcanzase grandes cotas tanto en el público adulto como en el más joven, llegando a ser objeto de imitaciones por humoristas como Los Morancos o Martes y 13. Llegó a popularizar sus famosas «ovejitas» y su «cuponsito». Millones de españoles se congregaban cada noche ante los televisores para presenciar el hacer de la artista. Posteriormente se destapó entre compañeros de la profesión que muchos de estos despistes protagonizados por la sevillana formaban parte de un guion debido a la repercusión positiva que tenían en el público.
Durante su etapa en Telecinco, Carmen Sevilla compaginó el programa Telecupón presentando diversas galas y espectáculos como los que se llevaron a cabo bajo la dirección de Valerio Lazarov con títulos como Noche española en 1992 junto a Andoni Ferreño, donde se reunió a artistas de la talla como Lola Flores, Paquita Rico o Perlita de Huelva entre otras. ¡Felicidades mamá!, gala con motivo del día de la madre en 1993 junto a Manolo Escobar, Agustín Bravo, Beatriz Rico y Jesús Vázquez, donde acudieron las madres de personajes famosos como la actriz Ángela Molina o el torero EL Litri. También hubo actuaciones musicales como las de Marifé de Triana, El Fary o Las Soles, pases de moda infantil protagonizada por hijos de famosos como Antonio Flores, Rocío Martín o José María Íñigo y actuaciones humorísticas a cargo de los más pequeños o Gala del Carmen en pleno mes de julio de 1994 donde dos Cármenes, la Sevilla y la Russo se ponían al frente de este espacio presentado también por Manolo Escobar o Mar Flores, con características parecidas a las galas anteriores.
También presentó y participó en diversos programas de variedades como Se acabó la siesta (1992), con Laura Valenzuela y Agustín Bravo; Date un respiro (1993), programa similar al anterior, conducido también por Laura Valenzuela y Agustín Bravo donde Carmen tenía una sección llamada Consultorio sentimental donde atendía con sus consejos a las llamadas y peticiones de los telespectadores;12? Mañana serán estrellas (1993), con Manolo Escobar, donde ambos ejercían de padrinos de personas con talento que querían iniciarse en el mundo de la música, ¿Se puede? (1993-1994) donde ella recibía cartas y llamadas de los telespectadores compartiendo sus problemas e incluso aconsejando sobre ellos y En directo contigo (1995), junto a Belén Rueda13? donde protagonizaba un espacio titulado Los consejos de Carmela, desde el que contaba todos sus trucos y secretos en el hogar.
En la Nochevieja de 1993 presentó las Campanadas de Fin de Año junto a José María Íñigo, donde ambos protagonizaron el sonado despiste cuando el periodista dio la bienvenida a 1964 y no a 1994, mientras que Carmen le siguió el fallo.
En 1997 la cadena cambió de director y con ello, toda la programación. Telecupón fue renovado en su emisión, pasando Carmen a presentarlo únicamente los viernes y sin la compañía de Agustín. Fue en diciembre de ese mismo año cuando presentó el que fue su último «cuponsito», seguido de un especial que Telecinco le dedicó ante su marcha de la cadena bajo el título La noche de Carmen Sevilla y donde la sevillana interpretó varios sketchs con toques humorísticos.
Antena 3 (1998)
Tras su marcha de Telecinco en 1997, fichó por Antena 3 donde se puso al frente de un programa semanal de variedades bajo el título La noche de Carmen14? y por donde pasaron grandes estrellas de la canción como Rocío Jurado, Sara Montiel, Raphael, Alejandro Sanz o Lolita Flores entre otros.
También presentó junto a Bertín Osborne el programa Queridos presentadores, donde se hacía un repaso por la trayectoria de los rostros más populares de la cadena.
Colaboró en el Telemaratón especial de Navidad de Antena 3 y presentó las campanadas de Fin de Año 1998-1999 junto a Pedro Rollán en la mencionada cadena, siendo así la segunda vez que ejercía dicha labor.
Autonómicas (1999-2001)
En el verano de 1999 comenzó su paso por las cadenas autonómicas y que inició en Canal Sur TV. En la cadena andaluza llegó a presentar dos programas, en primer lugar durante los meses veraniegos estuvo al frente del espacio diario Carmen de Cine donde cada tarde daba paso a una película de las que componen la filmografía española y leía las cartas que los telespectadores enviaban al programa.
Posteriormente presentó un magacine diario llamado Querida Carmen, el plató era una simulada casa donde recibía a distintos invitados para tratar temas de actualidad, así como concursos y entrevistas.
El programa se emitió hasta enero de 2000, fecha en la que terminó su etapa en Canal Sur TV coincidiendo con el fallecimiento de su marido, Vicente Patuel.
Tras un respiro de un año, en 2001 pasó a Canal 9 TV donde presentó junto a Juan y Medio el programa musical Nuestras Canciones, continuidad del espacio que el mencionado presentador condujo junto a Lolita Flores en dicho canal.
TVE (2003-2010)
Su última etapa como presentadora de televisión la inició a finales de 2003, año en el que Televisión Española la reclamó para presentar junto a Ramón García las Campanadas de Fin de Año. De esta manera, el 31 de diciembre de 2003 Carmen Sevilla se puso al frente por tercera vez de las Campanadas de Fin de Año, siendo la única artista española que las ha presentado en tres cadenas distintas de televisión.
En enero de 2004 y tras la polémica surgida cuando TVE decidió rescindir el contrato que mantenía con José Manuel Parada, presentador del programa sobre cine español, Cine de barrio, durante los años 1995 a 2003, Carmen Sevilla fue la elegida para sustituirlo. Estuvo al frente del programa durante siete años, desde 2004 a 2010. Fue acompañada hasta 2009 por el periodista Juan Carlos Cerezo y durante 2010 por la también periodista Inés Ballester.
En junio de 2004 fue la protagonista de una de las galas del programa Geniales emitido por TVE y donde se le rindió un homenaje.
Durante los años que perteneció a la plantilla de presentadores de la primera cadena de televisión en España, Carmen presentó el especial dedicado a su gran amiga Lola Flores titulado Querida Lola. Fue emitido en mayo de 2005 coincidiendo con el décimo aniversario del fallecimiento de La Faraona. También participó en algunos especiales que la cadena emite con motivo de la Navidad y donde la plantilla de presentadores actúan como es el caso de Telepasión.
El 14 de diciembre de 2010 y a la edad de ochenta años, grabó el que fue su último programa como presentadora de televisión, finalizando así el contrato que la unió a TVE desde 2004. La actriz fue sustituida por la también actriz española Concha Velasco15? quien se convertiría en la última persona en entrevistar públicamente a Carmen Sevilla en su última aparición televisiva en mayo de 2011.
Como actriz de telenovela y serie de televisión
En 1984-1985 protagonizó por primera vez, junto a Alejandro Rodrigo Mister Moto, y Gerardo Romano, para el Canal 9 de Buenos Aires (Argentina) una serie de televisión en el género de la telenovela titulada La viuda blanca.
En 1999, coincidiendo con su estancia en Antena 3 televisión, se intentó relanzar su carrera como actriz, gracias al deseo de Carmen de poder protagonizar una serie de televisión en España, puesto que ya lo hizo con éxito en Argentina en la telenovela La viuda blanca. Fue entonces cuando en enero de 1999 se estrenó en Antena 3 la telecomedia Ada Madrina, protagonizada por la artista junto a Jesús Puente y la modelo Mar Flores entre otros actores. Sin embargo, a pesar de los buenos datos de audiencia en el capítulo uno, ésta fue descendiendo en los capítulos siguientes, siendo retirada de la parrilla en el cuarto episodio. A finales de ese mismo año la cadena emitió todos los capítulos que se habían grabado.
Como imagen publicitaria
Con la llegada de la televisión en 1956 en España, los personajes famosos empezaron a popularizar sonados anuncios televisivos. Carmen Sevilla fue uno de los rostros que más anuncios protagonizó a lo largo de su carrera, siendo unos de los primeros los que grabó para la marca Philips y su popular canción «Familia Philips» interpretando a una flamenca yeyé o el que hizo para Coca Cola o el jabón Lux entre otros.
En la década de los noventa y dos mil protagonizó varios anuncios de televisión coincidiendo con su nueva faceta de presentadora. De esta forma, la vimos protagonizando anuncios de tintes, judías, vajillas, cristalerías o joyas entre otros. El primer anuncio de TVE en 2004 estuvo protagonizado por Carmen para la marca Coca Cola como guiño a aquel anunció que popularizó en la década de los sesenta.
Filmografía parcial y series de televisión
Categoría principal: Películas de Carmen Sevilla
Hoy en día, esta gran mujer que es Carmen Sevilla, a sus más de 90 años sigue estable en su lucha contra el Alzhéimer. Es una de las artistas más queridas de todos los tiempos, aunque ella no pueda recordarlo.
Dios la bendiga y ayude.
Conoceréis la verdad, y la verdad os hará libres, Juan 8:31-38
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Quis custodiet ipsos custodes? La Religión mediante la deshumanización de las personas las comvierten en borregos del Sistema. Superduque
„Es detestable esa avaricia espiritual que tienen los que sabiendo algo, no procuran la transmisión de esos conocimientos.“ Miguel de Unamuno
Artista en constante investigación, sigue fusionado Copla, Flamenco y Zarzuela con estilos tan dispares como el Pop Sinfónico o la Electrónica. En esta ocasión, nos sorprende además, con una versión Trap de Encrucijada de y con La seguiriya del Marrurro: “Me viene siguiendo” con texto de Felix Grande. Bori Alarcón vuelve a producir de manera exquisita este gran trabajo en el que también han colaborado grande músicos como Paco Salazar, Iñaki Garcia, Carlos Vera, Pedro Vazquez,Chico Valdivia, Arco y Luis Ramiro entre otros. Es gratificante y esperanzador ver que la creatividad prevalece a las modas. Diana Navarro con su nuevo disco, Inesperado, así lo demuestra.
Diana Navarro Ocaña (Málaga, 21 de abril de 1978) es una cantanteespañola. Se dio a conocer con el sencillo «Sola» en el año 2005, siguiendo su carrera artística con siete discos de estudio, un recopilatorio y un disco en directo publicados hasta la fecha.
Gracias a su primer trabajo, consiguió un doble disco de platino con más de 200 000 copias vendidas, más de 120 conciertos, nominación a los Grammy Latinos como Artista revelación, Premios Ondas como Artista Revelación, Premio del Público Canal Sur 2005, Premio Cadena Dial 2006, nominada a los Premios de la Música en seis candidaturas, así como pregonera de la Feria de Málaga y Malagueña del Año por diferentes asociaciones de su ciudad natal. En 2006 apareció una edición especial que incluía CD+DVD con versiones instrumentales de algunas canciones y un remix de «Sola». Además de los videoclips de «Sola», «No te olvides de mí» y «Ea».
En 2007 publicó su segundo trabajo discográfico, 24 Rosas, con el que consigue vender más de 120 000 copias (disco de platino), proclamándose Disco de oro en tan sólo 7 semanas, 5 Nominaciones a los Premios de la música y más de 60 conciertos por toda España que compagina con el espectáculo Mujeres donde actuó junto a Merche Esmeralda, Rocío Molina y Belén Maya, bajo la dirección de Mario Maya, llevando su voz a Nueva York, Washington, Miami, Londres y París.
En octubre de 2008 presenta “Camino Verde”. Un trabajo lleno de coplas clásicas con una visión musical actualizada, con el que consigue su cuarto Disco de platino, ya que superó las 120 000 copias vendidas.
El 31 de octubre de 2011 salió a la venta Flamenco. Un homenaje al flamenco y a sus cantantes, desde la Niña de la Puebla hasta Morente. Junto al CD se distribuye un DVD con la grabación en directo el 29 de julio en el Teatro Quintero en Sevilla. Gracias a este disco fue nominada a los Grammy Latino 2012, como mejor álbum de Flamenco.
El 20 de noviembre sale a la venta el disco que cierra la trilogía realizada por la artista compuesta por Camino Verde y Flamenco. Diana hace un homenaje al Género Chico, a la zarzuela. El disco está compuesto por 11 Temas.
El 12 de noviembre Diana Navarro presenta «LA ESENCIA». Un recorrido por la carrera de esta artista universal, con contenido inédito y DVD. Este nuevo trabajo podría contar con versiones de Summertime, Moon River o Ancora qui. También se dejará ver nuevos temas compuestos exclusivamente por la artista. Se compone de 2 CDs y un DVD.
Después de varios años sin editar un trabajo discográfico con canciones inéditas, el 20 de mayo de 2016, edita Resiliencia. Trece temas cargados de dolor y un camino recorrido a través de este trabajo, en el que del dolor se pasa a la salida, a la superación, a la aceptación. La propia artista confirmaba en una entrevista «Me di cuenta de que no me quería nada y me pasaban cosas extrañas por ello y eso me llevó hasta aquí y he querido compartirlo con la gente en forma de canciones»
En el año 2012, cuando se cumplía dos décadas de la Expo 92 celebrada en Sevilla, se realizó de nuevo el espectáculo Azabache, representado en dicha Exposición Universal.
Las pesadillas de Alberto Soto. Como Lola. Un film de Miguel A. Almanza. (2017).
Padre no hay más que uno. Como Madre. Un film de Santiago Segura. (2019).
Y esas manos que acarician la dulzura en la noche, esa voz angelical, y esa Diana en Salamanca; derrochando arte, cantando la gracia, sin par, herencia de su inmortal madrina: Marifé de Triana. ¡Viva Málaga y la mare que te trajo!.
Conoceréis la verdad, y la verdad os hará libres, Juan 8:31-38
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Quis custodiet ipsos custodes? La Religión mediante la deshumanización de las personas las comvierten en borregos del Sistema. Superduque
„Es detestable esa avaricia espiritual que tienen los que sabiendo algo, no procuran la transmisión de esos conocimientos.“ Miguel de Unamuno
Beethoven y Mozart llevan una temporada sonando en varias estaciones de metro de Londres con el resultado de una reducción de los casos de violencia.
Hace ya algunos años salió en los papeles que en el Reino Unido habían instalado varios miles de unidades del aparato en cuestión con el beneplácito de muchos vecinos intimidados por el comportamiento crecientemente violento de los jóvenes. Se trata de un altavoz que emite un sonido desagradable sólo para el oído de los seres humanos menores de veinticinco años. Dada la moda del consumo masivo de alcohol en lugares públicos y otras actividades productoras de ruidos, basuras y altercados, no se les ha ocurrido mejor medida que este ahuyentador de jóvenes. Seguro que, desesperados por no poder dormir, algunos millones de españoles darían algo por que se instalaran en sus calles, sobre todo teniendo en cuenta la tradicional afición española de hablar a voces como si todos estuviéramos sordos. Especialmente esas promociones amamantadas en las tetas de la LOGSE a las que ni sus papás sesentayocheros ni sus profesores formados en las progrepedagogías les han enseñado buenos modales, esas reliquias fascistas.
Atrevámonos a suponer que los llamados progresistas, esos optimistas antropológicos que han ubicado nuestra época en el punto más luminoso de la historia de la civilización, estarán extrañados de que las nuevas generaciones, educadas en los sacrosantos valores igualitarios, sean incomparablemente más salvajes que sus padres, abuelos y bisabuelos, sufridores todos ellos de sucesivos regímenes reaccionarios. También habrá que suponer que prohibir el consumo de alcohol en la calle es inadmisible por atentatorio contra la libertad de las personas; y que castigar el gamberrismo es impensable porque desde Rousseau se sabe que el gamberro es bueno por naturaleza aunque corrompido por la sociedad. Por no hablar de replantear de raíz todo lo que sale de los libros, la televisión, la prensa, las aulas y los charlamentos para regresar a los viejos conceptos de autoridad, respeto, austeridad, disciplina, civismo, vergüenza, virtud, honor y rectitud, todo ello tan intolerablemente reaccionario que suena ridículo. Todo esto atentaría contra los derechos humanos. Pero, por lo visto, repeler a las personas como si fueran mosquitos, no.
Al parecer, se ha dado un nuevo paso en estos curiosos asuntos de repelencia urbana. Pues, según puede leerse en la prensa anglosajona, la música clásica está dando excelentes resultados en la pacificación de las calles. Beethoven y Mozart, por ejemplo, llevan ya una larga temporada emanando de los altavoces de varias estaciones de metro conflictivas de Londres con el resultado de una notable reducción de los casos de violencia verbal y física.
También en los Estados Unidos y Canadá llevan ya varios años emitiendo música clásica con diversos objetivos. Uno de ellos es mejorar los modales de los parroquianos de hamburgueserías y establecimientos similares. Según cuentan los protagonistas, una dieta auditiva a base de Chopin y Debussy consigue resultados sorprendentes, sobre todo en horario nocturno. Lo que, unido a las numerosas experiencias mozartianas realizadas en granjas, sobre todo de cerdos y vacas, con notable reducción de agresividad y mejoría de productividad, debería provocarnos enjundiosas reflexiones.
Pero los sones de siglos pasados también sirven para espantar a: gamberros, pedigüeños, prostitutas, camellos y demás fauna. Parece ser que a ese tipo de gente le resulta insoportable ese tipo de música. Pero no porque las agudas notas de una soprano pechugona como el ruiseñor de Milán les perfore los tímpanos o rompa las gafas. Pues, según los datos analizados, la música más eficaz para disminuir el número de delitos en lugares conflictivos es la prerromántica: Bach, Mozart y Vivaldi repelen más y mejor que Tchaikovsky, Brahms y Verdi. Aunque tampoco hay que exagerar sus efectos: no es que, como se supone desde Orfeo, la música amanse a las fieras, o en este caso que consiga eliminar la delincuencia, sino que la mueve de sitio, lo que en la mayoría de los casos acaba beneficiando a barrios de alta categoría y perjudicando a los lugares donde se concentra la conflictividad a ritmo de rap y reguetón. La música, como frontera sonora para mantener a la chusma alejada de las zonas finas.
Quienes han empleado sus neuronas en analizar tan curioso fenómeno deducen que la música clásica es concebida por la mayoría de la gente, especialmente por los estratos más bajos e incultos, como patrimonio exclusivo de las clases altas. Y por eso la perciben como algo agresivamente elitista.
A ello habría que añadir la asociación que muchos hacen entre música clásica y psicopatía. El cine tiene mucho que ver en esto: dejando aparte el adorable David Helfgott con su neurosis rachmaninoviana, los casos más evidentes probablemente sean las combinaciones Beethoven-Naranja mecánica, Bach-Hannibal Lechter, Verismo-Mafia y Wagner-Hitler, aunque podría seguirse el rastro bastantes décadas atrás hasta Peter Lorre tarareando Peer Gynt por las oscuras calles de Düsseldorf.
La música, la más espiritual de las artes, hermanada con el crimen. Curiosa época.
Conoceréis la verdad, y la verdad os hará libres, Juan 8:31-38
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse
ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Quis custodiet ipsos custodes?
La Religión mediante la deshumanización de las personas
las comvierten en borregos del Sistema. Superduque
Hoy, La derecha y la izquierda son las dos patas del mismo Banco criminal
Y La Palabra Se Hizo canto, y la voz sentimiento y canción…
«Aquello fue lo que se dice un suceso inesperado. Un disco grabado en tres días, del que sus protagonistas habían perdido la pista, si no la esperanza, aparece por sorpresa y sin promoción alguna en las tiendas, y en el plazo de unos meses se convierte en un insospechado éxito de ventas. Y no solo eso, aquellas canciones flamencas, bulerías más o menos lentas o tangos, portadoras de una lírica tan popular como exquisita, se insertan rápidamente en la vida cotidiana para iluminar el tiempo nuevo que venía, ponerle versos al amor y música al paisaje.
Corría el año 1975, y el régimen franquista atravesaba sus últimos meses (el dictador fallecería ese mismo año). La exigencia de cambio cobraba múltiples formas y la música no estaba al margen. Y entonces aparecen Lole Montoya y Manuel Molina, los dos gitanos guapos y bien plantados, hijos de artistas y herederos de familias de fuste. Él, además, con la experiencia del grupo de rock sevillano Smash en la mochila. Llegan trayendo unas canciones llenas de frescura que, de forma involuntaria, vienen a colmar los amplios deseos de transformación: “El sol joven y fuerte/ ha vencido a la luna/ que se aleja impotente/ del campo de batalla” (Nuevo día).[…]
La guitarra de Manuel sonaba flamenquísima, pero distinta, con un llamativo uso de los silencios y de la síncopa, y una forma de ralentizar los tiempos que, vista desde el presente, sigue resultando avanzada. La voz de Lole era un portento de claridad y luz, con una fuerza en los altos que hacía saltar las agujas de las mesas de sonido, según cuenta el productor de sus discos, el sevillano Ricardo Pachón. Las letras de Juan Manuel Flores, de una estética naturalista muy cercana a un cierto hipismo aún en boga, gozaban además de una enorme plasticidad y fuerza evocadora. La fórmula no era premeditada, pero funcionó a la perfección».
Lole Montoya
Lole Montoya, la que se hizo popular en toda España siendo pareja de Manuel Molina, nació durante la primavera de 1954 en una trianera calle de Sevilla llamada Evangelista. Muy probablemente, ni su padre, Juan Montoya, bailaor, ni tampoco su madre, Antonia Rodríguez ‘La Negra’, cantaora y bailaora nacida en Orán (Argelia), se imaginaban entonces que con el paso de los años su pequeña Lole iba a llegar a ser precisamente eso: evangelista. Gracias en parte a que su familia, de raza calé, era «uno de los grupos más intensos y compactados del mundo del Flamenco», Lole pudo tener el privilegio de curtirse desde muy pequeña en tablaos del prestigio de Los Gayos (en Sevilla) o Las Brujas (en Madrid). Lole también llegó, ya como adolescente, a compartir el mismo escenario con gente de la talla de la Perla de Triana o el Camarón de la Isla -a este último íntimo amigo de la que llegaría a ser la pareja Lole y Manuel, en 1994, le dedicarían una canción titulada «Arriba el Cielo». Manuel Molina, ese prodigioso guitarrista y poeta con quien Lole -rompiendo con las tradiciones gitanas- contrajo matrimonio, había estado en Smash: un grupo de los 70 fundamental en lo que después se conocería como rock andaluz. Nunca hicieron un flamenco ortodoxo, por el contrario les acusaron de hacer un «flamenco equivocado». Por otro lado tampoco han pertenecido a la nueva generación de «jóvenes flamencos», «estos jóvenes -que en palabras de Manuel- están demasiado revolucionados, desfasados, locos perdidos». El comienzo de la discografía de la pareja, que se produjo en 1975 con la edición de un disco titulado «Nuevo Día» (Movieplay), coincidió con un sorprendente éxito que les permitió verse favorecidos por el público desde el principio.
Éxito que continuaría durante los siguientes ocho años, con la sucesiva edición de sus trabajos: «Pasaje del Agua» (CBS),»Romero Verde» (CBS), «Al Alba con Alegría» (CBS) y «Casta» (CBS). Raimundo Amador (de Pata Negra), El «niño» Jero, Alvaro (de Dulce Venganza) y Manolo Marinelli (de Alameda) son sólo algunos nombres más de entre los muchos que figuraron como colaboradores durante esos años. Sin embargo, los cientos de colaboraciones, de aplausos, de galas y de discos de éxito vendidos no fueron suficientes para mantenerlos juntos y a finales de 1986, dos años después de la publicación de «Casta», deciden separarse. En esta misma época, y por uno de esos extraños reveses que da la vida Lole pierde en poco tiempo casi todas sus posesiones. «Dentro de un año me iré con Cristo» le diría a Felipe Campuzano, ahogada en la comprensible crisis a la que se vio sometida. De visita en una casa de empeños la cantante -según cuenta- se encontró un libro negro, una Biblia, y en 1987, un año después de la separación y después de una larga búsqueda, ese mismo libro provocaría en su vida un brusco y radical cambio. «El día que me convertí (al cristianismo) -decía ella-, leía la Biblia mientras encontraba la confirmación a muchas cosas que antes sentía… Yo, como mujer, tengo que reconocer mis fracasos, mis errores; todo hombre y todo político, y todo príncipe tiene que reconocer sus errores… Quiso Dios que me viera sin todo lo que tenía para encontrarle a El». En ese mismo año, ahora separada de Manuel, comienza a asistir a una pequeña iglesia evangélica en la calle Canal de Sevilla. Iglesia en la que permanecerá más o menos oculta a los ojos del gran público durante una temporada, durante la cual tan sólo apareció -para sorpresa de todos- en reuniones organizadas por las iglesias evangélicas o en entrevistas centradas casi exclusivamente en su última y decisiva experiencia.
«Todo gira en torno a sus pensamientos religiosos, y en cada una de sus respuestas siempre tiene pendiente a Dios», escribía uno de sus entrevistadores. La prensa, sorprendentemente, recibió los cambios de Lole con un enorme respeto en comparación al menos con el tipo de reacción que los medios de comunicación suelen tener ante este tipo de conversiones. Y aunque no faltaron, claro está, los escépticos, tampoco le faltó a la cantante el carácter con el que tratarles: Lole -Sí (la mujer gitana) tuviera conocimientos espirituales, seguramente se sentiría realizada». Periodista -¿Quiere decir culturales? Lole -Quiero decir lo que digo: espirituales. Sin ellos la cultura sirve de poco. A mi me interesa el conocimiento profundo, saber por qué y para qué has nacido. Dos años después, tras cinco años de aparente silencio, Lole Montoya vuelve a la escena del espectáculo, esta vez abrazando el más puro estilo árabe clásico. Y es que desde su infancia, por la influencia de su madre, había tenido mucho contacto con el mundo y la música árabe. Contacto que marcó su carrera profesional, de forma que -entre otras muchas cosas curiosas- llegó ser invitada por el rey Hassan a cantar en su palacio de Rabat. «¡Lole Montoya canta únicamente música árabe!» -exclamaba la prensa y también algún espectador que había acudido con la esperanza de oír nuevamente sus bulerías en el popular escenario del Cuartel del Conde Duque (en Madrid). «Cristo es el artista», dijo ella ese mismo día, para después oír a alguien contestarle desde el público: «Canta por bulerías y nos vamos». «Digamos que han sido unos años un poco especiales en los que me he dedicado a disfrutar de mi evolución personal». Aunque no se descarta una posible vuelta con Manuel, la incertidumbre en cuanto a su futuro no le impide grabar una cinta de muy corto presupuesto titulada «Sigue Vivo» (Kroma, 1991) y enfocada más al nivel de la iglesia evangélica en España. Por fin, el 8 y el 9 de febrero de 1991, se produce un primer reencuentro artístico de Lole y Manuel, y esto, por todo lo alto en el teatro Lope de Vega de Sevilla. No era este, como tampoco lo serán los siguientes, un reencuentro defínitivo. Después de todo esto la pareja vuelve a desaparecer para volver a reaparecer en 1992 con la interpretación de algunos fragmentos del Amor Brujo de Falla.
De este acontecimiento quedó para la historia una grabación editada por Pasión con el irónico título de «Lole y Manuel cantan a Manuel de Falla»; irónico digo pues el papel de Manuel se redujo al de un cuestionable ‘director de producción’. El siguiente paso lo darán dos años después, en 1994, cuando Virgin Records hace un magistral lanzamiento de la sexta grabación oficial de Lole y Manuel juntos, titulada «Alba Molina» en honor a su hija de quince años que tenían en común. «Nunca la vuelta de unos artistas había despertado tanta expectación tan sólo con la noticia de su regreso», rezaba un titular. Este trabajo les había llevado en realidad cuatro años de esfuerzos, tiempo que Lole también había utilizado como retiro «espiritual», una palabra que -por cierto- utiliza incansablemente. «Nuestro silencio se ha debido a una búsqueda personal. Hubo un momento en que se me cerraron las puertas y me di cuenta de que yo tenía que alimentar mi espíritu. Ahora el Señor ha abierto mis puertas para cantar… Estoy haciendo mi vida espiritual y me va muy bien. Lo que pasa es que Dios aprovecha mi arte, y yo se lo tengo que dar al Rey de Reyes y Señor de Señores». Como siempre, y también en los 90, con su música, además de comer, Lole trata de dar un mensaje: «Vale eso de «…una rosa es una rosa…» -dice ella citando una canción de Mecano-, pero ¿no tienes nada mejor, no se puede dar nada mejor?». Pero la Lole de los 90 tiene una gran diferencia con la de los 70. «Una Lole totalmente distinta en el sosiego -decía un periodista-, la serenidad, ha enriquecido sus formas expresivas». «Antes yo estaba viva, pero mi espíritu estaba muerto… Ahora sí que todo es de color» -decía ella.
Esta si que es la mas grande
dijo la rosa lunera…
mientras fenecía de envidia
Sevilla y la noche entera
Si todo es de color,
cuando en ti llueve la gracia
en mí se muere el dolor
mientras el cariño abraza
los ecos de tu canción
Conoceréis la verdad, y la verdad os hará libres, Juan 8:31-38
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse
ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
KARINA EN DIRECTO – ¡A su aire! (1974) from anabel amiens on Vimeo.
María Isabel Bárbara Llaudés Santiago, más conocida como Karina, es Cantante y actriz española nacida en Jaén el 4 de Diciembre de 1945. Actualmente vive en Torrelodones.
A principios de la década de 1960 comienza a trabajar en el programa musical Escala Hi-Fi de TVE. Emilio Santamaría, padre de la cantante Massiel, se hizo su manager, quien le llevó a firmar su primer contrato discográfico con la casa Hispavox.
En 1964 graba su primer álbum con el que tiene un considerable éxito en Venezuela. En 1965 se presenta al Festival de Mallorca con Me lo dijo Pérez y, aunque quedó segunda, fue todo un éxito.
Pérez from anabel amiens on Vimeo.
Grabó Muñeca de Cera, versión en español del tema con el que France Gall acababa de ganar el Festival de Eurovisión (Poupée de cire, poupée de son) de Serge Gainsbourg, consigue entrar en el panorama musical español con la versión del éxito de France Gall Poupée de cire, poupée de son, lo que le da la posibilidad de mostrarse ante un público mayor.
luxembourg winner from anabel amiens on Vimeo.
Su hermano Paco se sumaría al grupo de managers de Karina junto con Santamaría. Tras numerosos éxitos, en 1966 le entragan la Medalla de Oro como Mejor Cantante «Yeyé». A finales de los 60 rueda tres películas cuyas bandas sonoras consiguen mucho éxito. Comienzan sus más sonados éxitos como Las flechas del amor.
Flechas Del Amor (1968) from anabel amiens on Vimeo.
Regresarás, El baúl de los recuerdos, Romeo y Julieta, Fiesta, Colores, Las flechas del amor, etc. Su carrera se extiende a otros países europeos.
GALAS DEL SABADO (1970) from anabel amiens on Vimeo.
KARINA – REGRESARAS (REMASTERIZADO) YOU TUBE from anabel amiens on Vimeo.
Karina-Concierto para Enamorados from anabel amiens on Vimeo.
En 1970 se celebra en Osaka (Japón) la Exposición General de primera categoría y TVE, bajo la dirección de Valerio Lazarov, graba en esta ciudad su programa «Osaka Show» con la participación de Karina, Massiel, Julio Iglesias y Miguel Ríos.
En 1971 participa y gana el programa «Pasaporte a Dublín» concurso en el que participaron entre otros Nino Bravo, Los Mismos, Rocío Jurado, etc. y en el que se elegía al representante de España en el Festival de la Canción de Eurovisión.
Pasaporte a Dublin from anabel amiens on Vimeo.
Ese mismo año, por tanto, representa a España en Eurovisión, en Dublín, con el tema En un mundo nuevo, de Rafael Trabucchelli y Tony Luz (su novio).
Quedó en segunda posición, con 116 puntos, algo de lo que siempre se ha sentido orgullosa. Con la experiencia eurovisiva hizo una película, del mismo nombre que su canción.
En Un Mundo Nuevo from anabel amiens on Vimeo.
Karina continuó su carrera hasta 1978 año en que Hispavox no le renovó su contrato discográfico, debido al cambio en la dirección general. Se mudó a México donde publicó numerosos discos de rancheras. Volvió a España en 1982, año en que nace su primera hija Azahara Díaz Llaudés (actual mánager de la artista). En 1989 nace su segunda hija Rocío Martínez Llaudés, durante estos años Karina se dedicó al cuidado de sus hijas.
A principios de los 90 se ve sometida a una operación de tiroides en la Clínica Universitaria de Navarra, que la mantiene durante 2 años alejada de los escenarios. Y no será hasta mediados de los noventa, cuando vuelve, gracias a la obra teatral Entrañables 60 cuyo éxito fue tal que los teatros se quedaban pequeños para acoger tanta afluencia de público. Por lo que los productores cambiaron el formato y pasó a convertirse en un espéctaculo a modo de macro-concierto, con el nombre de Mágicos 60.
LUNA BLANCA from anabel amiens on Vimeo.
En 2003 participa y gana el concurso de Telecinco Vivo cantando: los años dorados gracias al voto del público, en el que participaron numerosos cantantes de los años 60 y 70 como Tony Ronald, Juan Bau, Elsa Baeza o Braulio. Karina grabó el disco Gracias con ValeMusic.
Vivo Cantando 2003 from anabel amiens on Vimeo.
En ese año ganó por votación popular el concurso de Tele5 Vivo Cantando, en el que participaban antiguas estrellas de la canción española.
“Brillará de nuevo el sol…aunque todo siga igual”, cantaba, ya en los 70 y con más de una década de carrera a sus espaldas, Maribel Llaudes, Karina. La jienense intentaba encarar, con ese tema, a una nueva Karina, en un intento fallido por evolucionar de niña a mujer, de las canciones ingenuas a aquellas otras con pinceladas dramáticas. Sin embargo, como ella misma nos cuenta cuando la entrevistamos esta semana en el madrileño Café del Espejo, al público “no le gustaba esa Karina. El público siempre ha querido a la Karina de la sonrisa, a la festiva…De vez en cuando le gusta una balada pero una balada tipo Yo te diré o Regresarás. Las otras ya eran demasiado rotas”. Brillará de nuevo el sol sirve como metáfora de una mujer que, tras cincuenta años de carrera, varios divorcios y momentos de felicidad y de desdicha, siempre eligió la sonrisa y el ciego optimismo, el mismo que impregnaba sus canciones y el libro que publica MR Ediciones esta semana.
Esa Karina que tanto gustaba al público es la misma mujer que ahora publica una biografía titulada El baúl de mis recuerdos, en claro homenaje a la más popular de sus canciones, un himno que formó parte de aquellos años 60 en los que ella fue el máximo exponente de las ‘chicas ye-yé’, otro símbolo más de un desarrollismo y de una apertura hacia el exterior que cambiaba para siempre a la pacata España de la época. El libro se muestra claro, sin complejos, sin pretensiones, con sus Romeo y Julieta, sus Flechas del amor y con su famoso Baúl lleno de recuerdos. Con la segunda canción, Karina llegó a arrebatarles un número uno a los Beatles y se convirtió en un mito con sus luces y sombras, con sus éxitos y sus fracasos, con los halagos más estruendosos y las críticas más despiadadas. “Venir de provincias y en dos o tres años ser Karina y pegar un pelotazo tan joven fue muy duro. Estaba claro que tenía que bajar a los infiernos…”, admite sin perder ese aire de ingenuo optimismo que hizo que varias generaciones de españoles se enamorasen con sus canciones.
Antes de conocer el éxito y la derrota, Maribel Llaudes era una chica de provincias que, con tan sólo 13 años, llegó con su madre a un Madrid en ebullición y que, en poco tiempo y gracias a varios concursos radiofónicos, se convirtió en Karina cuando Torrebruno dijo aquello de “¡Uy, ¡qué niña tan carina!”.
La discográfica encontró un filón en aquella jovencita rubia de ojos claros que cantaba al amor con la ayuda de los mejores músicos de la época, con leyendas como Waldo de los Ríos o con el buen ojo del productor Rafael Trabuchelli. Ella era consciente de que la rodeaban los mejores: “Cuando escuché Regresarás o Tú y yo dije: “Madre mía, yo no merezco este arreglo”, dice con exceso de humildad). Sin embargo, seguía conservando su inocencia en un mundo, el de la música, repleto de lobos disfrazados de cordero. Ejemplo de ello, el día en el que acudió a que le realizasen unas fotografías en las que el fotógrafo pretendía convertirla en una ‘lolita’: “Yo nunca me he visto ni sexy ni nada parecido. Ni siquiera tengo fotos subidas de tono. El fotógrafo me hizo dos o tres fotos pero yo posaba tan mal que a punto estuvo de decirme: “Mira, vete ya pa tu casa…”. Yo fui con mi jersey y lo primero que me preguntó es si llevaba sujetador. Me dijo que me los quitase y que me pusiese una sábana. En la sala de espera estaba mi madre y yo me dije: “Si este hombre me hace algo yo chillo y viene ella”. Me puse la sábana pero Hispavox no quiso utilizar esa imagen tan atrevida”.
Con sábana o sin ella, Karina fue nuestra versión española de las France Gall o las Silvye Vartan de turno, la chica ‘ye-yé’ que, en pleno éxito, llegó a presentarse ante Adolfo Suárez cuando este era el director de TVE. La razón: sus compañeros de concurso en Pasaporte a Dublín, que elegía, en 1971, candidato a Eurovisión entre artistas como Nino Bravo o Rocío Jurado, creían que el programa estaba amañado a su favor. “Me dieron día y hora para ver a Suárez. Era media mañana y le dije que quería dejar el concurso. Insistí mucho en participar pero luego quería dejarlo”, afirma. “Mira Maribel, yo estoy muy liado; creo que ni te estoy escuchando. Vete a tu trabajo y déjame a mí trabajar. Creía que me ibas a decir algo importante”, le replicó el futuro primer presidente de la democracia.
Cuando el entuerto se aclaró, ella fue la finalmente elegida para acudir a Eurovisión con el tema En un mundo nuevo, compuesto por el que fue su novio, primer marido y parte fundamental de su carrera (compuso muchos de sus grandes éxitos), Tony Luz. La canción tuvo tanta repercusión que, un día, la jienense recibió la llamada de la mismísima Carmen Polo. La mujer de Franco quería conocerla y reclamó su presencia en el Palacio de El Pardo. La anécdota de lo que ocurrió aquel día daría para varios libros más. “Tony y yo estuvimos de pie, en un salón elegantísimo, y después de un rato, nos invitó a sentarnos y nos deseó buena suerte. Nos dijo que la canción le gustaba mucho a Paco y yo dije: “Pues mira qué bien. Paco será un primo suyo o algo así”. Yo en ese momento ni sabía quién era Paco, porque estaba muy nerviosa. Cuando salí pensé: “Claro, Paco debe ser el que nosotros llamamos el Generalísimo, que es Francisco”, asegura sin parar de reír.
Pese a la bendición franquista, ella ha odiado todas y cada una de las veces que la han considerado, de manera aleatoria y como a muchos otros artistas, una ‘cantante franquista’. “Las etiquetas son muy feas. Yo incluso las quito en la ropa”. Con aquella bendición se fue a Dublín, quedando en la segunda posición con aquel mítico vestido con un agujero, con aquel fallo de sonido que hizo que los millones de europeos que veían el certamen, no escuchasen la primera frase de la canción. Ella se vuelve a impregnar de humildad y se autoinculpa: “Estaba cantando la que iba delante de mí y, con su canción, pegué una cabezada por el cansancio acumulado de los ensayos. Cuando escuché la famosa flauta con la que comienza En un mundo nuevo (se pone a tararearla), eso me acabó despertando. Salí corriendo pero claro, no llegué a tiempo. El técnico sólo escuchó desde “las cosas claras verás” y fue cuando subió el sonido. Ese fallo ya se ha quedado como una anécdota para toda la vida. A veces me dicen: “Si hubieses cantado la primera frase, igual hubieras ganado”.
El triunfo eurovisivo supuso un cénit difícil de superar. Como ella misma reconoce, había llegado tan alto que la única opción, a partir de ese momento, era bajar. Apenas varios años después, en 1978, se enfrentó a una no renovación por parte de su discográfica, uno de las partes más duras de su vida. “No se puede echar a una persona sin darle una explicación, por joven que sea o por mucho que no te guste. Yo al fin y al cabo era una trabajadora de Hispavox. No sé por qué fue tan brusco diciéndome que la discográfica “no renovaba a horteritas”. Tras tres lustros de éxito, Karina se enfrentó a una cruda realidad. Sin sello discográfico, con un segundo divorcio a sus espaldas, afrontó los 80 “muy sola”. De los Waldo de los Ríos o Rafael Trabuchelli que habían confeccionado sus canciones, pasó a los bolos (palabra que ella detesta) en pueblos pequeños sin una mano que la asesorase. “Fue duro empezar a ir a sitios pequeñitos, bajar presupuestos… Sé bien lo que es tocar fondo”.
Sin embargo, el optimismo de sus canciones, es el optimismo de Karina. En plena gira de despedida, con sus músicos y sin esos playbacks musicales que tuvo que usar hace tres décadas, está feliz de ser abuela, de lo que consiguió y de la gente que se le acerca para decirle que es un mito. Ni siquiera recuerda con acritud o arrepentimiento una época, la de los 90, en la que coqueteó demasiado con la parte más amarillista y cruda de las revistas del corazón. De hecho, odia que pese más esa parte de su vida que la artística, la falta de respeto a la que se ha tenido que enfrentar en demasiadas ocasiones: “Me dicen que es porque yo he hecho cosas para que me lo falten pero yo me he respetado, pero he tenido que hacer cosas por necesidad. Eso es muy distinto a faltarse el respeto a uno mismo. Yo nunca me lo he faltado. En los 90 hubo un ‘boom’ de las exclusivas que te pagaban, que te solucionaban la vida…y una cae en eso. Una no es Santa Teresa del Niño Jesús”.
Una vez superada aquella mala fase, Karina sólo puede dar las gracias. El respeto se lo sigue dando el público que la saluda por la calle, aquel que se enamoró con sus Flechas del Amor, que se emociona con su Yo te diré o que ha soñado con Un mundo nuevo, canción de la que es fan hasta la mismísima Alaska. “Eran canciones amables, las que se llevaban en aquella época. Claro que entonces había canción protesta y follón político, pero mis temas eran para pasar el rato. Además, yo era así, nunca he sido demasiado rebuscada”. El mundo nuevo tras la crudeza del franquismo que anunciaba aquel tema es, seguramente, el que también comunicaba ella misma con sus canciones en aquellos años, los años en los que lo cursi se convertía en arte; cuando parecía que el mundo iba a cambiar y nunca cambió.
Τίποτα δεν είναι κρυμμένο προσεκτικά και δεν πρέπει να αποκαλυφθεί
κανένα μυστικό που δεν έρχεται να γίνει γνωστό. » Ευαγγέλιο του Λουκά 12: 2
Nada hay cuidadosamente ocultado que no haya de revelarse
ni secreto que no llegue a saberse”. Evangelio de Lucas 12:2
Saluda a la ingratitud como una experiencia que enriquecerá tu alma.
(Auguste Rodin)
Los cantos de los monjes budistas son repetitivos, tan sólo recitan unos pocos versos, que contienen mensajes sencillos, y místicos. La letras de las canciones de nuestra música occidental está cargada de mensajes y de estrofas complejas.El primer álbum de estos monjes llevaba por título: Sakya Tashi Ling (2005), fue número 1 en la lista de i-Tunes y con él dieron a conocer un nuevo sonido, el mantra-pop.La cantante de «My Spirit Flies to you» es Verónica Concepción Valderrama, y sacó su primer álbum, «Amanecer», por ese tiempo. Los Monjes Budistas, son del un monasterio de Sakya Tashi Ling que está en el parque natural El Garraf, Barcelona.
Que es el Dhamma
«En última instancia sólo existe el Dhamma» es el extracto de una charla dada por Ajahn Buddhadasa en Bangkok en 1.967, a una audiencia ya familiarizada con el Budismo. Se editó posteriormente en su integridad, con el nombre: «No Religion».
Cuando nos encontramos de esta manera, hay algo que siento que nos impide entendernos, que es simplemente el lenguaje en sí. Existen dos tipos de lenguaje. Uno es el lenguaje convencional que habla la gente en general, lo que llamo «el lenguaje de la gente».
Es el lenguaje utilizado por la gente en general que no entiende bien el Dhamma y por la gente mundana que es tan densa, que es ciega a todo lo que no sean cosas materiales. Y luego tenemos el lenguaje que hablan los que entienden la realidad (Dhamma), especialmente los que conocen y entienden la realidad en su más profundo significado. Es otro tipo de lenguaje. A veces, cuando unas cuantas palabras o incluso unas cuantas sílabas son pronunciadas, el oyente común encuentra éste lenguaje paradójico, completamente opuesto al lenguaje que él habla. Le llamamos «lenguaje del Dhamma». Tenéis que prestar atención para reconocer cual es el lenguaje que está siendo utilizado.
Las personas que no ven la verdadera realidad (Dhamma), sólo pueden hablar el lenguaje ordinario, convencional. Pero los que han realizado genuinamente la verdad última, pueden hablar los dos lenguajes. Pueden manejar el lenguaje de la gente sin dificultad o utilizar el lenguaje del Dhamma, especialmente cuando hablan con personas que conocen la realidad, que han «realizado» la verdad (Dhamma). Entre ellos, utilizan casi exclusivamente el lenguaje del Dhamma. Desgraciadamente, la gente ordinaria no puede entender una palabra; el lenguaje del Dhamma sólo es entendido por los que saben. En este tipo de lenguaje, a veces ni siquiera es necesario emitir sonido alguno: basta con señalar con un dedo u levantar una ceja y el significado último de la realidad es entendido. Así que por favor, interesaros por estos dos tipos de lenguaje: el lenguaje de la gente y el lenguaje del Dhamma.
Para ilustrar la importancia del lenguaje, podemos considerar el ejemplo siguiente. La gente ordinaria que no conoce el Dhamma, piensa que existe ésta religión y ésta otra religión, y que estas religiones son distintas, tan distintas que se oponen la una a la otra. Así hablan de «Cristianismo», «Islam», «Budismo», «Hinduismo», «Sikhismo», y consideran que estas religiones son distintas entre sí, separadas, incluso incompatibles. Este tipo de personas piensan y hablan en función de sus sensaciones personales y así transforman las religiones en enemigas. Por culpa de este tipo de mentalidad existen distintas religiones, hostiles unas con otras.
Sin embargo, los que han penetrado en la naturaleza esencial de la religión, consideran que todas las religiones son una. Aunque digan que existe el Budismo, el Judaísmo, el Taoísmo, el Islam, etc…. dicen también que internamente, todas las religiones son iguales. Incluso podríamos decir que los que han alcanzado la más alta comprensión del Dhamma, pensarán que en última instancia, lo que llamamos «religión» no existe en el fondo. No hay Budismo, ni Cristianismo, ni Islam. ¿Cómo pueden ser lo mismo u ser opuestas, cuando ni siquiera existen? Es simplemente imposible. Por eso podemos decir que la frase «No religión!» es en realidad lenguaje del Dhamma en su más alto nivel. Que esto sea entendido o no, es otra cuestión que depende del que escucha, y no tiene nada que ver con la verdad o la religión.
Me gustaría dar un ejemplo sencillo del lenguaje ordinario, el lenguaje del materialismo. El «agua» bastará para nuestro propósito. Las personas que tienen poco conocimiento, incluso sobre cosas sencillas, piensan que hay muchos tipos de agua. Consideran los distintos tipos de agua como si no tuvieran nada en común. Separan el agua de lluvia, del agua de pozo, del agua subterránea, del agua de los canales, del agua de las marismas, del agua de las cunetas, del agua del canalón, del agua de alcantarilla, del agua del baño, de la orina, de la diarrea, y muchos otros tipos de agua distintos entre sí. La gente común insistirá en que estas aguas son completamente distintas, porque toman como criterio las apariencias externas de las cosas.
Pero una persona con cierto conocimiento sabe que se puede encontrar agua pura en cualquier tipo de agua. Tomando agua de lluvia y destilándola, obtendremos agua pura. Al destilar agua de río obtendremos agua pura. Incluso con agua de canal, agua de alcantarilla o agua de baño, también obtendremos agua pura. Una persona con este tipo de entendimiento sabe que estos distintos tipos de agua son iguales en cuanto a la parte de agua que hay en ellas. Los otros elementos que la hacen impura y parecer diferente, no son el agua en sí. Pueden mezclarse con el agua y alterarla, pero nunca serán el agua en sí. Si vemos a través de los elementos que la contaminan, podemos ver el agua que es siempre la misma, porque en cada tipo de agua, su naturaleza esencial es la misma. Aunque parezcan tipos de agua muy diferentes, son iguales en cuanto a su esencia se refiere. Mirando las cosas desde este punto de vista, podemos ver que todas las religiones son iguales. Si parecen distintas es porque estamos juzgando en base a su apariencia externa.
En un nivel todavía más profundo, podemos examinar el agua pura más de cerca. Entonces concluiremos que en realidad no hay agua, sino dos partes de hidrógeno y una de oxígeno. Ya no hay agua. Esta substancia que hasta ahora hemos llamado «agua» ha desaparecido, está «vacía». Lo mismo ocurre en todas partes, sin importar donde encontramos las dos partes de hidrógeno, con una de oxígeno. En el cielo, en la tierra, o donde sea que las hallemos, el estado de agua ha desaparecido y el término «agua» ya no es utilizado. Para él que ha penetrado hasta este nivel de la realidad, ya no existe el agua.
De la misma forma, él que ha alcanzado la verdad última, ve que en el fondo no existe la «religión». Sólo existe la naturaleza, que podemos llamar como queramos. Podemos llamarla «Dhamma», podemos llamarla «Verdad», podemos llamarla «Dios», «Tao» u lo que sea, pero no deberíamos particularizar éste Dhamma o ésta Verdad como Budismo, Cristianismo, Taoísmo, Judaísmo, Sikhismo, Zoroastrismo u Islam, porque nunca podremos capturarla o encerrarla con etiquetas o conceptos. Estas divisiones aparecen porque la gente no ha realizado esta verdad sin nombre, por ellos mismos. Sólo han alcanzado los niveles externos de comprensión, de la misma forma que con el agua de canal, el agua fangosa, etc….
El Buda intentó ayudarnos a entender y a ser capaces de ver que tampoco hay en realidad «personas», individuos separados, sino que sólo hay dhammas o fenómenos naturales. No debemos pues apegarnos a la creencia de que existe ésta religión o ésta otra. Los nombres «Budismo», «Islam» y «Cristianismo» aparecieron mucho tiempo después de la muerte de sus fundadores. Ninguno de los grandes maestros espirituales dio un nombre personal a sus enseñanzas como lo hacemos hoy en día. Sólo enseñaron a vivir de forma no egoísta.
Intentad por favor entender esto correctamente. Cuando el último nivel es alcanzado, cuando es conocida la Verdad última, ni siquiera el hombre existe. Sólo existe la naturaleza, sólo el Dhamma. Esta realidad no puede ser considerada como algo particular, sólo puede ser Dhamma. No puede ser Tailandesa, China, India, Árabe o Europea. No puede ser negra, morena, amarilla, roja o blanca. No puede ser oriental u occidental, meridional o septentrional. Ni tampoco budista, cristiana, islámica o lo que sea. Así que por favor intentad alcanzar este Dhamma, porque habréis alcanzado entonces el corazón de todas las religiones y de todas las cosas, y realizado finalmente el cese de todo sufrimiento.
Una religión sin dioses ni castas
El budismo es la única gran religión que no teoriza sobre un dios creador ni un culto dirigido a él. La meditación, la sabiduría y la moral son los tres pilares básicos en que se asientan las enseñanzas de Buda, que arrebataron al hinduismo brahmánico muchísimos fieles a partir del siglo VI a.C.
En el siglo VI a.C., cuando Buda empezó a difundir su doctrina, la civilización india estaba dominada por el brahmanismo hindú: los brahmanes eran la casta dominante. La pertenencia a la casta era estrictamente hereditaria y las monarquías se perpetuaban en una sociedad brahmánica cada vez más dominada por grandes y poderosos jerarcas. La decadencia a la que se veían sometidas las clases humildes creó un profundo malestar contra la tradición que cristalizó en nuevos puntos de vista sobre el mundo y en una revolución religiosa cuya cabeza visible fue Gautama Buda.
La meta del budismo es el nirvana, palabra que significa la «extinción» de los fuegos de todos los deseos y la absorción del yo en el infinito.
Los budistas no adoran a una persona o a un dios, sino que siguen un sistema de pensamientos, meditación y ejercicios del espíritu basados en las enseñanzas de Sidharta Gautama (Buda, el Iluminado). Su doctrina, transmitida oralmente en vida de Buda por sus seguidores, se recopiló por escrito bastante tiempo después de su muerte.
La doctrina de Buda se resume en las Cuatro Verdades Nobles, que son:
1. Toda la existencia es insatisfactoria.
2. Las insatisfacciones están causadas por el deseo de algo permanente, cuando en el mundo no existe la permanencia.
3. Es posible conseguir el cese de las insatisfacciones, el nirvana.
4. El nirvana puede alcanzarse siguiendo los Ocho Pasos.
John Denver, nacido como Henry John Deutschendorf, Jr. (Roswell, Nuevo México, 31 de diciembre de 1943-Bahía de Monterey, cerca de Pacific Grove, California, 12 de octubre de 1997), fue un cantante country, compositor, músico y actor estadounidense. Denver murió a los 53 años de edad cuando pilotaba un Rutan Long-EZ, un avión experimental de fibra de vidrio.
John Denver nació en Roswell, Nuevo México. Su padre, Henry Deutschendorf, Sr., era oficial de las fuerzas aéreas e instructor de vuelo. Denver nació cuando su padre estaba en el Roswell Army Air Field. Creció en numerosas bases del sudoeste estadounidense. Denver entró en el instituto en Fort Worth, Texas y más tarde en el Texas Tech donde fue miembro de la fraternidad Delta Tau Delta.
Su introducción en el mundo de la música llegó a la edad de doce años cuando su abuela le regaló una guitarra acústica 1910 Gibson. Empezó a actuar en clubes locales cuando aún estaba en la universidad. En 1964 abandonó la universidad y se mudó a Los Ángeles, California para ingresar en el Chad Mitchell Trio, un grupo folk. Dejó el grupo, por entonces conocido como Denver, Boise y Johnson, en 1969 para empezar una carrera en solitario.
Este mismo año lanzó su primer LP, Rhymes and Reasons. Durante los cuatro años siguientes, álbumes como Whose Garden Was This, Take Me to Tomorrow y Poems, Prayers and Promises se estableció como una estrella de la canción estadounidense popular.
Denver tenía una exitosa carrera como cantante y compositor, y una carrera menor como actor -su película más notable, hecha en 1977, fue Oh, God!. En 1994 escribió una autobiografía titulada Take Me Home. Se mudó a Aspen, Colorado persiguiendo su primer éxito en solitario con Leaving on a Jet Plane.
Denver no sólo es conocido como cantante, lo es por su labor humanitaria. Trabajó extensamente en proyectos de conservación y ayudó a crear el Arctic National Wildlife Refuge en Alaska. También fundó su propio grupo ecologista llamado Windstar Foundation. Denver tuvo también mucho interés en las causas y las soluciones del hambre, y visitó África durante la década de 1980 para ser testigo de primera mano del sufrimiento causado por el hambre y también para trabajar con los líderes africanos detrás de una solución.
Después de una agradable experiencia en The Muppet Show, grabó otros dos especiales con muñecos: John Denver and the Muppets: A Christmas Together (1979) y John Denver and the Muppets: Rocky Mountain Holiday (1982). Desafiando todas las etiquetas convencionales, John Denver ocupó un singular lugar en la música estadounidense: un compositor cuyo inmenso trabajo popular que habitaba el mundo natural. Canciones como Take Me Home, Country Roads, Leaving on a Jet Plane o Rocky Mountain High son famosas en todo el mundo. Las características de sus canciones son: una melodía dulce, un acompañamiento de guitarra elegante y una verdadera convicción en sus letras. Fue uno de los pocos cantantes occidentales conocidos más allá de Europa, incluyendo África, India y el sudeste asiático.
Justo en la cima de su carrera John Denver fue reconocido por el gobernador de Colorado como el poeta del Estado. En ese momento su discográfica “Windsong” era la responsable del éxito «Afternoon Delight» de Starland Vocal Band, él apareció en una gran cantidad de especiales de televisión y en 1977 tuvo una aparición estelar en la película “Oh, God!” junto a George Burns. Durante esa época también recortó significativamente su producción hasta 1980 con “Autograph”.
En 1981 se presentó junto con el tenor Plácido Domingo, pero en la medida en que avanzaban los años 1980 su popularidad decaía. Mucho del declive obedecía a que ahora concentraba sus energías en temas humanitarios, ecológicos y relacionados con la paz mundial.
En febrero de 1985 se presentó en el XXVI Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile) y causó un gran suceso en dicho país. En mismo año, durante su segunda visitó la Unión Soviética, el sub director de Asuntos Culturales de Leningrado presentó a Denver ante la prensa diciendo:
Hay un dicho ruso que dice que la primera manifestación de la primavera no nos dirá cómo será toda la estación, pero esa primera manifestación puede marcar el cambio a una estación más caliente. Esperamos que esta visita de John Denver conduzca a una relación cultural más cálida entre Estados Unidos y la Unión Soviética.
Denver respondió:
Como artista y cantante estoy comprometido con construir entendimiento y amistad entre los pueblos.
Sus esfuerzos por la paz y la desaparición del hambre le llevaron a escribir a Ronald Reagan y a Mijaíl Gorbachov para que destinaran más dinero a solventar los problemas del hambre que a las armas. Hacia mediados de 1985, Denver testificó junto a Frank Zappa y Dee Snider en un asunto de la censura en una audiencia de la PMRC.
En 1987 se presentó en China, la Unión Soviética y en la recientemente devastada Chernobyl. El esfuerzo de Denver por estrechar lazos entre las potencias enfrentadas en la Guerra Fría le llevó a grabar una canción contra el armamentismo junto con el cantante soviético Alexandre Gradsky, la primera vez que el régimen permitía algo parecido.
Más tarde, hacia 1992, John Denver viajó aún más lejos para presentarse en China y en 1994 cantó en Vietnam, siendo la primera vez que un artista estadounidense cantaba después de la Guerra de Vietnam.
A lo largo de su vida, John Denver recibió todo tipo de reconocimientos que van desde los que se entregan a los artistas, hasta los que solo se le dan a aquellas personas que hacen lo humanamente posible para hacer de este un mundo mejor.
En los meses inmediatamente anteriores a su muerte en un accidente de avión en 1997 a la edad de 53 años, estuvo grabando un episodio de Nature Series, centrado en las maravillas naturales, la inspiración de sus canciones más queridas. El resultado es una película conmovedora y melódica que registra sus últimos viajes en el yermo y contiene su última canción «Yellowstone, Coming Home», compuesta mientras navegaba por el río Colorado con su hijo y su hija pequeña.
Denver tuvo dos pasiones en su vida: la música y volar. Como piloto experimentado, Denver tenía su propio Learjet, planeadores y voló en aviones acrobáticos y a veces en un F-15. Esta pasión por el aire le costó a Denver la vida cuando cayó al mar en su recientemente adquirido Rutan Long-EZ (N555JD) el 12 de octubre de 1997.
El percance sucedió durante un vuelo solitario, cuando se estrelló en las inmediaciones de una playa del Océano Pacífico, cerca de Pacific Grove, California.
Su vuelo lo había iniciado a las 17:12 UTC Tiempo del Pacífico, y la tragedia se estimó que ocurrió a las 17:28 UTC, alrededor de 15 a 16 minutos después de su despegue.
Los medios de comunicación publicaron versiones contrarias de la causa del accidente, donde de hecho, fueron múltiples causas serias del percance (que es común en los accidentes aéreos), y en última instancia un error del piloto por no preparar adecuadamente el vuelo en un avión poco familiar para él o un error del piloto al procurar cambiar al tanque derecho y poniendo inadvertidamente el avión en un terreno escarpado.
El informe del accidente resaltó los siguientes factores:
Denver comenzó el vuelo sabiendo que los tanques estaban bajos de combustible pero descuidó el llenarlos, pensando que sería un viaje de una hora de duración.
El selector de combustible estaba situado en un lugar poco común, difícil de alcanzar por el piloto.
El selector de combustible no tenía marcas, e iba en función del instinto del piloto.
Las vistas a la gasolina eran no lineales y no estaban marcadas, dando como resultado que no tuviera la intuición de la medida del combustible.
Es probable que el combustible del tanque izquierdo del avión se consumiera durante la primera hora de vuelo.
Denver tendría que haber aflojado su arnés y torcido el cuerpo para alcanzar el selector de combustible.
En hacer esto es probable que Denver pisara inadvertidamente el pedal del timón derecho.
Con el pedal del timón presionado, el avión se habría precipitado hacia un terreno escarpado.
Denver estaba preocupado en intentar cambiar al otro tanque y recuperar la energía del motor. Al hacer esto no detectó el banco al que se acercaba.
El avión cayó al océano antes de que Denver pudiera recuperar el control.
El accidente de Denver ha ayudado a cambiar los sistemas de seguridad en aviones pequeños. La vida de Denver fue honrada en la Iglesia Presbiteriana de la Fe en Aurora, Colorado, el 17 de octubre de 1997.
Leaving from anabel amiens on Vimeo.
HERE IS THE NEW SLAVERY
DON´T ACEPT IT FIGHT THE NEW WORLD DIS-ORDER !
LIBRO SEMANAL
The time is ripe for a MASS EXODUS from YouTube
And Vimeo is the same shit
What’s even more insane is that YouTube sees the use of CBD oil to cure cancer as being no different than a terrorist who builds a pipe bomb in his kitchen to destroy human life. To YouTube, both acts are dangerous and “violent,” and have no place on YouTube. This says a whole lot about the mindset of YouTube’s leadership, seeing as how the site has no problem spreading content that’s utterly vulgar, perverse, and ompletely inappropriate for normal viewing. In other words, information about how natural plant extracts can be used to get healthy is prohibited content at YouTube, but videos that teach young people about how to use anal beads or how to become transgender is completely acceptable and actively welcomed at YouTube.
The good news is that YouTube isn’t the only video content website out there, and free-thinking people would do well to abandon the site entirely for greener, less-censored pastures. By the way, the 43-second video that triggered YouTube to remove Natural News from its platform…
Evangelina Sobredo Galanes, nació en Madrid el 11 de octubre de 1948. Era hija de diplomáticos españoles, y por ese motivo viajó durante su infancia por distintos países.
Sus primeros recuerdos de la infancia son ingleses y abarcan unos cinco años. Ya, en la adolescencia, comienza a actuar en las fiestas del colegio de fin de curso, afición que ya no abandonó nunca.
Sus primeras composiciones son en inglés, pero posteriormente se inclina más a componer en su idioma materno, el español, cosechando así sus grandes éxitos. En 1970 forma el grupo Expresión, grabando un single (Have you ever had a blue day? y Try Catch the Sun).
En 1971, es contratada por la multinacional americana CBS, hoy en día Sony-Music. Graba un primer single Mañana y en la cara B Reuníos, dedicada esta última a los Beatles. Este primer disco pasa bastante desapercibido, pero es ya en 1972 al grabar su primer álbum Cecilia, cuando empieza a cosechar sus primeros éxitos con canciones como Dama Dama, Fui, Señor y Dueño o Nada de nada.
En 1973 se publica su segundo trabajo, Cecilia 2, con un aire más intimista y más maduro. Cabe destacar de este disco temas como Andar, Un Millón de Sueños, Mi Ciudad y Canción de Amor.
Es en 1975, después de editar varios singles cuando publica el álbum Un Ramito de Violetas, cuya canción la consagró para siempre.
En este mismo disco se encuentra la canción Mi Querida España, con la que meses antes había tenido también un gran éxito. Este disco está además ilustrado con dibujos hechos por la propia artista, uno por cada canción. Meses más tarde Cecilia representaría a Televisión Española en el festival de la OTI con la canción Amor de Medianoche. La letra era de ella y la música de Juan Carlos Calderón. Quedó clasificada en segunda posición. A finales de año, publica su cuarto trabajo, que consiste en nuevas versiones de éxitos de años atrás incluyendo además la canción del festival.
En 1976, mientras trabajaba en su siguiente disco dedicado a poemas de Valle Inclán, publica el single Tú y Yo, con gran éxito durante ese verano. En la madrugada del 2 de agosto fallecía en accidente de tráfico a la vuelta de un concierto en Vigo. Cecilia era por entonces la cantante y autora de España más cotizada de la época.
Fue la única española en el dramático Club de los 27. El que forman Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Janis Joplin, Kurt Cobain y, desde fecha reciente, Amy Winehouse. Todos ellos murieron a esa edad. Al igual que Evangelina Sobredo, esa chica madrileña que triunfó como cantautora bajo el nombre artístico de Cecilia.
Nacida en octubre de 1948, a Cecilia le quedaban un par de meses para cumplir los 28. Pero dio su último concierto en Vigo, en la sala Nova Olimpia, el 2 de agosto de 1976. Esa madrugada, de regreso en coche a Madrid, se mataría en un pueblo de Zamora, al colisionar su 124 contra un carro de bueyes.
La creadora de Un ramito de violetas, Dama, dama, Mi querida España o Nada de nada había disfrutado de su recital. Todas las entradas en Vigo estaban vendidas. Y el empresario Alejandro Figueroa, propietario de Nova Olimpia, comentaría más tarde a la prensa que la cantante estaba exultante con su actuación. Y que le había gustado tanto la ciudad y su ría que pensaba buscar unos terrenos para construirse una casa en la playa. Evangelina conocía bien el país. De hecho, su padre, José Ramón Sobredo, era de origen gallego. Militar de carrera y, más tarde, diplomático, desempeñó cargos en las embajadas de EE UU, Jordania, Costa Rica, Argelia y la República Popular China. Lo que brindó a sus hijos la oportunidad de criarse recorriendo el mundo. La crítica dice que el peculiar estilo de Cecilia procedía de sus influencias del exterior, con guiños a The Beatles o Paul Simon incluso en las portadas de sus discos.
Cuando da en Vigo su último concierto, Cecilia está en el apogeo de su carrera. Meses antes, el 15 de noviembre de 1975, había defendido a Televisión Española en el Festival de la OTI, con el tema Amor de medianoche, compuesto por el habitual Juan Carlos Calderón bajo el título La espera. En una muestra de carácter, la cantautora había rechazado la letra, que consideraba ñoña. Y la sustituyó por entero, introduciendo algunas pinceladas de crítica social. Fue un tímido acto de rebeldía, no comparable a la negativa de Serrat a cantar en Eurovisión. Pero con mérito, ya que Franco seguía vivo, a falta de cinco días para que su yerno, el marqués de Villaverde, se decidiese finalmente a desenchufarlo.
La sala Nova Olimpia estaba abarrotada para el concierto. En la espera, algunos comentarios iban para la noticia del día: el accidente del piloto de Fórmula 1 Niki Lauda en el circuito alemán de Nurburgring. El telediario difundió las imágenes en las que el campeón austríaco pasaba 45 segundos a bordo de su Ferrari en llamas y se le creía muerto. Aquella noche lo de Lauda era una noticia impactante sin que nadie pudiese sospechar que se avecinaba otro accidente terrible.
Viaje nocturno
Rematado el concierto, Cecilia y su grupo salieron de Vigo sobre las 3 de la madrugada, a bordo del Seat 124. Al día siguiente, a las 10, la cantante tenía grabación en Madrid. Estaba preparando un disco en el que versionaba poemas de Valle Inclán.
A las 5.40 horas de la madrugada, el coche colisionaba contra un carro de bueyes en la C-620 (hoy N-525), a su paso por Colinas de Trasmonte, en las proximidades de Benavente (Zamora). El carro transitaba sin luces y tampoco había alumbrado público en la aldea. Se dice que el 124 circulaba a gran velocidad, hecho que fue años después desmentido por el conductor, que sobrevivió a la colisión.
Como consecuencia del impacto, murió en el acto Cecilia, que viajaba dormida en el asiento trasero. También murió el batería del grupo, Carlos de la Iglesia. Y resultaron malheridos los otros dos ocupantes. El propietario del carro sufrió heridas muy graves. Al igual que su mujer, que iba de pie conduciendo a los bueyes. Para retratar la violencia del siniestro, uno de los animales salió despedido, proyectado contra un terraplén cercano.
El suceso dejó conmocionado al país. La muerte de Cecilia en el culmen de su carrera hizo correr ríos de tinta e inspiró programas de radio y televisión. Todavía en 1996 se editó un disco recopilatorio en el que cantaron versiones suyas artistas tan dispares como Raphael, Amaral o Alaska.
Vigo fue la última parada de una carrera intensa, que dejó a Cecilia como la única española del trágico Club de los 27. Evangelina Sobredo está enterrada en el Cementerio de la Almudena, en Madrid, en una tumba adornada por un ramito de violetas de plástico.
Tras su fallecimiento se publicó un nuevo single a modo de homenaje, compuesto por las canciones El viaje y Lluvia.
Biografía
Evangelina Sobredo Galanes, más conocida como Cecilia (El Pardo, Madrid, 11 de octubre de 1948 – Colinas de Trasmonte, Zamora, 2 de agosto de 1976), fue una carismática cantautora española que falleció en accidente de automóvil a los 27 años cuando estaba en la cima de su éxito.
Su carrera artística fue corta, pero consiguió gran popularidad con canciones como «Un ramito de violetas», «Mi querida España», «Dama, dama» o «Amor de medianoche», que lograron ser un éxito en España en la década de los setenta.
Evangelina Sobredo Galanes nació en El Pardo el 11 de octubre de 1948. Como una de los ocho hijos del militar y diplomático español José Ramón Sobredo y Rioboo (1909-1990) y María Dolores Galanes Saavedra (04.10.1917- 01.02.2013 a los 95 años), tuvo una infancia itinerante (Reino Unido, EE. UU., Portugal, Argel, Jordania) y una educación cosmopolita: aprendió a hablar en inglés al mismo tiempo que en castellano. Por eso sus primeras letras como cantautora fueron en estos dos idiomas por igual, aunque finalmente se decantó por el materno.
Se educó con una monja estadounidense que la animó a tocar la guitarra y a cantar en fiestas de fin de curso. De regreso a España, comenzó y abandonó los estudios de Derecho, porque decidió dedicarse por completo a la música y a componer sus propias letras con una calidad poética y literaria por encima de lo habitual en su tiempo.
Su lírica está vinculada al Existencialismo y a la canción de protesta feminista. Mantuvo una relación afectiva con el también músico Luis Gómez-Escolar, con quien colaboró en algunos trabajos.
Tal y como la propia Evangelina explica en las notas de su primer LP, la afición musical se desarrolló desde edad muy temprana en el entorno familiar y escolar. A su llegada a Madrid y comenzando sus estudios en la capital, comenzó a tocar y cantar canciones en inglés en diferentes colegios mayores. En esa época conoció a Julio Seijas y a Joaquín Torres, quienes serían determinantes en el comienzo de su carrera profesional. Empezó a componer sus propias canciones a los 14, y a los 16 ganó un importante concurso de cantautores a nivel nacional que le sirvió para poco más adelante grabar su primer sencillo junto a Nacho Sáez de Tejada (Nuestro Pequeño Mundo) y Julio Seijas, Eva Sobredo con el nombre de Expresión que incluía las canciones «Try catch the sun» y «Have you ever had a blue day?», cantadas en inglés con aire blues & folk y, aunque Evangelina y Julio Seijas siguieron colaborando, el grupo se disolvió, a pesar de su incipiente éxito.
En 1971 firmó contrato con la multinacional CBS, entonces recién instalada en España. Adoptó el nombre artístico de Cecilia debido a que «Eva» ya estaba registrado y el tema «Cecilia» de Simon y Garfunkel, a quienes admiraba, estaba siendo lanzado por su compañía de discos. Grabó su primer sencillo en solitario con las canciones Mañana y Reuníos. Esta última era un ruego para que volvieran los entonces recién disueltos Beatles. Aunque no supuso un gran éxito, el disco representó entonces una novedad en un panorama dominado por cantautores de influencia francesa como Mari Trini, Joan Manuel Serrat o Luis Eduardo Aute.
En 1972 lanzó su primer LP, con el título Cecilia. Es el único LP original que incluye temas en castellano e inglés. Una canción social de este disco, «Dama, Dama» (una crítica al falso puritanismo de las mujeres), fue un éxito, así como las existenciales «Nada de nada», «Mi gata Luna», «Fui» o «Señor y dueño» (que según sus propias palabras, era su canción favorita). La portada se debe al fotógrafo Paco Ontañón que retrató a Cecilia con un guante de boxeo en la mano derecha, en alusión a las letras comprometidas que contenía el álbum. Es también una clara referencia a la canción «The boxer» de Paul Simon.
Al año siguiente, 1973, apareció su segundo LP, titulado Cecilia 2. De nuevo una foto de Paco Ontañón figura en la portada, simulando levemente un embarazo. Los temas de este álbum tratan temas variados, pero siempre muy personales. Algunos hablan de recuerdos como «Cuando yo era pequeña», ecologismo, «Mi ciudad», otros de planteamientos vitales «Me quedaré soltera», cuya temática resultaba polémica para la época por su planteamiento feminista. «Si no fuera porque…» reflexionaba sobre el suicidio mientras que «Un millón de sueños» hacía referencia a la Guerra Civil Española. Otras canciones hablan de un amor existencial, elegíaco y triste muy característico de Cecilia («Canción de amor», «Me iré de aquí»). Sólo «Andar», tema de apertura del disco, escapa de esa tristeza y aparece lleno de ganas de vivir. No logró emular el éxito de ventas del LP anterior aunque fue aclamado por la crítica.
Un Millón from anabel amiens on Vimeo.
Su tercer álbum, Un ramito de violetas, publicado en 1975, fue el mayor éxito de su corta y fulminante carrera. La canción que da nombre al disco fue la que tuvo más éxito del LP y por la que se suele recordar a Cecilia, quizá injustamente, ya que muchos de sus otros éxitos son también notables. Según su hermana Teresa, antes de ser canción fue un cuento. Junto a esta pieza destacan canciones como «Mi querida España», «Decir adiós» o «Sevilla». Es destacable que la portada y funda interior fue un trabajo de la propia Cecilia. La portada fue una pintura de la autora, así como cada canción, que recibió una ilustración procedente de sus pinturas, de estilo naïf.
En 1975, Televisión Española decidió que representara a España en el Festival de la OTI a lo que la artista aceptó a regañadientes, puesto que no le gustaban los festivales. La canción seleccionada fue «Amor de medianoche», compuesta por Juan Carlos Calderón y cuyo título original era «La llamada». Cecilia trató por todos los medios de cantar una letra más acorde con su personal estilo, y para ello finalmente sustituyó todo el texto, y el tema pasó a llamarse «Amor de medianoche». Cecilia consiguió el segundo puesto. Grabó entonces un LP recopilatorio con el título de esa canción, que fue su último trabajo de larga duración. Sin embargo, aún llegó a editar dos singles en 1976, «Tú y yo»/»Una guerra», en que este segundo tema era una alusión a la Guerra Civil que ya aparece en otras letras suyas. Este single aún no se ha reeditado en las innumerables recopilaciones posteriores.
El otro single publicado ese año es «A million reasons»/»Come the wind», que se lanzó en Estados Unidos. Se estaba planteando la posibilidad de lanzar la carrera de Cecilia en Norteamérica siguiendo el ejemplo de Julio Iglesias, con quien compartía agencia de management. Cecilia falleció en un accidente automovilístico cerca de Benavente, Zamora, el 2 de agosto de 1976, cuando regresaba de un concierto en Vigo con su banda.
El batería, Carlos de la Iglesia, también falleció. Cuando murió trabajaba en un proyecto sobre textos de Ramón María del Valle-Inclán.
Como muchos otros artistas, Cecilia tuvo algunos problemas con la censura existente en España durante la dictadura del General Franco. Algunas letras tuvieron que ser modificadas, ciertos temas fueron descartados de los discos y algunas de sus portadas fueron sustituidas. La canción «Dama, dama» fue suavizada en los versos que dicen «Puntual cumplidora del tercer mandamiento, algún desliz en el sexto» para dejar así el final del verso: «… algún desliz inconexo». El tema «Mi querida España» tuvo que ser modificado, y quedaron eliminadas las referencias a las Dos Españas (Esta España viva, esta España muerta, esta España blanca, esta España negra). Sin embargo, el texto fue publicado sin censura en la carpeta del LP. En algunas de sus actuaciones en vivo, Cecilia interpretaba los textos originales.
Entre los temas descartados para su publicación se encuentra la canción «Soldadito de plomo», una crítica al ejército, nunca vio la luz en vida de Cecilia.
El álbum más problemático fue Cecilia 2. Su título iba a ser «Me quedaré soltera» y una fotografía de Pablo Pérez-Mínguez ilustraría la portada, con una Cecilia que mostraba su embarazo? La compañía discográfica desechó la idea, cambiando el título al disco y utilizando una fotografía más discreta de Ontañón. El tema «Un millón de sueños» supuso a Evangelina pasar por el juzgado. Su título original era «Un millón de muertos» en referencia a la novela homónima de José Maria Gironella. Su alusión a la Guerra Civil española era directa. Cecilia declaró que se trataba de un tema acerca de la Guerra de los 6 días, que vivió en persona, y el tema no fue modificado salvo en el título, si bien recibió el calificativo de «no radiable» de los censores y quedó fuera de las emisoras de radio por un tiempo.
Cecilia escribió temas para artistas como Julio Iglesias, Massiel, Mocedades y Rocío Jurado. A partir de su prematura muerte, varios artistas le rindieron homenaje, como Luis Gómez-Escolar, su compañero sentimental, María Ostiz, Miguel Bosé, Juan Erasmo Mochi, Betty Missiego, Silvia Tortosa, Elsa Baeza, Ana María Drack, Paloma San Basilio y Alfonso Pahino.
A pesar de no lograr colocar ninguno de sus temas en el número 1 de las listas de ventas o de radio fórmula como Los 40 Principales14? la buena recepción y popularidad de las canciones de Cecilia es incuestionable. Buena prueba de ello es que Cecilia ha sido versionada y reivindicada por una larga lista de artistas del todo el mundo. A modo de ejemplo se puede citar a Fangoria, Manzanita, Rocío Dúrcal, David Broza, Natalia Oreiro, Soledad Jiménez, El Canto del Loco, Amaral o Mi Banda El Mexicano. Se conservan además numerosos objetos personales y artísticos entre los que se cuentan instrumentos, trajes de sus actuaciones y varios de sus cuadros, como los que ilustran el disco Un ramito de violetas. Varios de estos objetos fueron expuestos en la Galería de Arte Inés Barrenechea en Madrid en 2011.
Biography
Evangelina Sobredo Galanes, known as Cecilia, (October 11, 1948 – August 2, 1976) was a Spanish singer-songwriter. She took her stage name from the song «Cecilia» by Simon and Garfunkel.
The daughter of diplomats, she was born in Madrid, spent her childhood in several countries (Spain, The United Kingdom, The United States, Jordan, Portugal) and was raised by an American nun. She attained a bachelor’s degree in law in Spain before deciding to dedicate herself to music and composition. Her ironic and lyrical songs, sung in a tiny voice, contributed to the existentialist and feminist movements of Spanish canción protesta (protest songs) of the 1960s and 1970s.
Her first steps in the music field were with the group Expresión, featuring Nacho Sáez de Tejada and Julio Seijas. She wrote and sang in English. This band only published a single in 1970. In 1971 she signed up a contract as a solo artist with CBS-Spain. Julio Seijas remained as a collaborative musician on Cecilia´s band. She tried to launch her career as ‘Eva’ but that name was already registered and in use by another Madrilenian artist. In those days, the CBS-Spain label had release Simon and Garfunkel´s hit «Cecilia» and Evangelina took on that stage name.
During her musical career as Cecilia, she released 3 LPs and 9 singles that were very well received by Spanish public.[1] Cecilia was also a successful artist in Latin America. Her recordings were released in most Latin-speaking countries. She performed live in Colombia, Venezuela and Puerto Rico. She represented Spain in the fourth edition of the OTI Festival in 1975, which was held in San Juan, Puerto Rico with the song «Amor de medianoche» (Midnight Love). She ended up first runner-up. In 1976 she was working on several artistic projects, such as a tribute to poet Ramón del Valle-Inclán and launching her music career in the U.S. She was also developing some work as a musical producer.
On August 2, 1976, Cecilia and the musicians of her band drove back to Madrid after a concert in Vigo, Galicia. Early in the morning, they were involved a car accident near Benavente. She, along with musician José Luis González, died. She was buried in the Madrilenian Cementerio de la Almudena.
Madre de éste impenetrable mundo,
ayuda a mi solemne canción porque la he amado,
a ella sola, en infintos años de vacío incierto,
al murmullo de un dolor inmenso.
Zahieren mi cuerpo rastros del pasado yerto,
de adorables momentos entre tibias luces,
que acuna voz mi pensamiento herido de recuerdos,
y que Caliope perdone mi humilde desatino.
No dejes morir el día sin mi nueva promesa
haz que esta soledad su paz envuelva,
muestrame el rumor entre las sombras, empieza
a tejer el lecho que me acoja dentro
ahora y cuando la noche haga
el sonido de sus propios silencios.
Dedicado a la fuente de mi inspiración,
al dulce cobijo de mi encendida pasión
A la que nuevamente, en mi esperanza reina,
a su boca adorada, ansiada y bella
A la flor que mis días y mi recuerdo sueña
A la que hace crecer en mí sus primaveras.
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Vigila el mar,
que la pluja no és teva
i el sol enlluerna a poc a poc.
Vigila el mar,
que la boira t’esbulla
i el vent plora el record.
Vigila el mar,
que l’ocell ja no canta
i els terrats s’han cobert de brutor.
Vigila el mar,
que les cales són preses
i els pins callen la cançó.
Vigila el mar,
que els teus ja no tornen
i naus estranyes
omplen el teu port.
Vigila el mar,
que la lluvia no es tuya
y el sol deslumbra poco a poco.
Vigila el mar,
que la niebla te envuelve
y el viento llora el recuerdo.
Vigila el mar,
que el pájaro ya no canta
y las azoteas se han cubierto de brotes.
Vigila el mar,
que las calas son presas
y los pinos callan la canción.
Vigila el mar,
que las tuyas no vuelven
y naves extrañas
llenan tu puerto.
«Vigila el mar» de María del mar bonet. Es otra de esas «joyas» de los archivos de RTVE.
El tema, que es el corte 6 del LP, es una composición del mal logrado Hilario Camacho,
perteneciente a su tercer álbum del año 1974, y el primero grabado con el sello Ariola.
María del Mar Bonet, junto a Hilario Camacho, ponen música a poemas del mallorquín
Bartomeu Rosselló-Pòrcel. El LP cuenta con una excelente portada realizada expresamente
por Joan Miró, con un precioso texto de presentación a cargo de Salvador Espriu. María
del Mar Bonet en el año 2007 fue galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento
de Cataluña, y en el 2012, fue nombrada doctora honoris causa por el
Consell de Govern de la Universidad de las Islas Baleares. Y a continuación esta
pequeña obra maeastra llamada Merçe.
Hija del escritor y periodista Juan Bonet (1917-1991) y hermana del también cantautor Joan Ramon Bonet, estudió cerámica en la escuela palmesana de artes y oficios y en la Massana, pero acabó dedicándose a la canción. Llegó a Barcelona en 1967, donde empezó a cantar con Els Setze Jutges y formó parte del movimiento de la Nova Cançó.
Desde entonces ha editado discos de música folk en catalán. Además ha realizado diversos conciertos en diferentes puntos de Europa, el norte de África, Estados Unidos, Japón e Iberoamérica, además de participar en el campo de investigación de nuevas formas artísticas.
Entre sus primeros éxitos se encuentran las grabaciones de Què volen aquesta gent?, su canción más contestataria y su versión de L’àguila negra, original de la francesa Barbara, que junto a No voldria res més ara consigue ser Disco de Oro en España en 1971.
En 1974 pone música a poemas de Bartomeu Rosselló-Pòrcel y Joan Alcover, canciones recogidas en su tercer disco, en el que cuenta con una estrecha colaboración del cantautor madrileño Hilario Camacho y que será editado con una portada realizada ex-profeso por Joan Miró.
Desde 1988 actúa periódicamente con el pianista Manel Camp, reinterpretando en clave de jazz canciones propias y de otros autores (Ira y George Gershwin, Miquel Àngel Riera, etc.), recogidas en sendos discos publicados en 1989 y 2011.
En 1993 dedica un álbum a la obra de Mikis Theodorakis con letras adaptadas al catalán.
En 2007 es galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento a su labor durante la etapa de Els Setze Jutges y edita su disco Terra secreta, que ya había presentado en directo desde 2006 y en el que hace un homenaje a algunos compañeros de la cançó; en el mismo año presenta el espectáculo Els treballs i els dies junto al cantaor flamenco Miguel Poveda.
En 2012 es nombrada doctora honoris causa por el Consell de Govern de la Universidad de las Islas Baleares.
En 2013 participó en el Concierto por la Libertad.
Ha colaborado tanto en actuaciones en directo como en grabaciones discográficas con multitud de artistas de diferentes estilos, tales como Lluís Llach, Ovidi Montllor, Milton Nascimento, Nacho Duato, Manolo García, Martirio, Georges Moustaki, Amancio Prada, Dulce Pontes, Maria Farantouri, Milva, Quilapayún (facción Francia), Haris Alexiou o Loquillo, entre otros.
En la sombra, lejos de la luz del día, la melancolía suspira
sobre mi cama triste, el dolor a su lado, y la esperanza ronda
en mi cabeza asi como los dias de lluvia tras los que un arco
celestial promete un soleado despertar.
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En este mismo disco se encuentra la canción Mi Querida España, con la que meses antes había tenido también un gran éxito. Este disco está además ilustrado con dibujos hechos por la propia artista, uno por cada canción. Meses más tarde Cecilia representaría a Televisión Española en el festival de la OTI con la canción Amor de Medianoche. La letra era de ella y la música de Juan Carlos Calderón. Quedó clasificada en segunda posición. A finales de año, publica su cuarto trabajo, que consiste en nuevas versiones de éxitos de años atrás incluyendo además la canción del festival.
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